Wikipédia:Sélection/Rock
Toto (groupe) Toto est un groupe américain de pop rock créé en 1976 par Jeff Porcaro (batterie) et David Paich (clavier), auxquels se joignent Steve Lukather (guitare), Steve Porcaro (claviers), David Hungate (basse) et Bobby Kimball (chant). Après des débuts prometteurs, le groupe atteint la consécration dans les années 1980 avec son album Toto IV. En 1982, Mike Porcaro remplace David Hungate à la basse. En moins de dix ans, Toto change plusieurs fois de chanteur principal, engageant Fergie Frederiksen, Joseph Williams puis Jean-Michel Byron. En août 1992, Toto doit faire face à la mort de son membre cofondateur, Jeff Porcaro, remplacé par Simon Phillips. Dans les années 2000, le groupe connaît un nouveau bouleversement dans ses rangs avec le retour de Bobby Kimball au chant et le retrait de Mike Porcaro, atteint d'une sclérose latérale amyotrophique. La formation se sépare brièvement en 2008, avant de se reformer en 2010 afin de soutenir son bassiste. Ce dernier meurt des suites de la maladie en 2015. La même année, le groupe sort un nouvel album, Toto XIV, marquant le retour de Joseph Williams au chant et de David Hungate à la basse. Par ailleurs, Simon Phillips quitte le groupe pour être remplacé par Keith Carlock puis par Shannon Forrest. En 2018, le groupe célèbre ses quarante années d'existence depuis son premier album studio. Une ultime tournée internationale est planifiée jusqu'en , date à laquelle le guitariste fondateur Steve Lukather annonce la dissolution du groupe sous sa dernière forme. Entre 1978 et 2018, Toto enregistre quatorze disques studio vendus à quarante millions d'exemplaires et quatre albums live. Il remporte par ailleurs sept Grammy Awards ; est introduit au Musicians Hall of Fame and Museum de Nashville. La musique de Toto évolue durant ses quatre décennies de carrière. Le groupe trouve ses marques au fil des albums et mélange les genres musicaux tels que le rock, la pop, le funk, le jazz. Des chansons telles que Hold the Line, Africa, Rosanna sont devenues des classiques du groupe et ont contribué à sa notoriété internationale. |
Killing Joke Killing Joke est un groupe de rock britannique créé en 1979. Il est reconnu comme un des groupes les plus importants de la période post-punk/new wave de la fin des années 1970 et du début des années 1980 et a fortement influencé des groupes comme Nirvana, Metallica, Ministry, Soundgarden, KoЯn, ou encore Fear Factory, qui ont tous mentionné être redevables à ce groupe. Jaz Coleman, le chanteur et leader historique du groupe, joue des claviers et synthétiseurs, compose, et dirige cordes et orchestres. Avec ce dernier, le guitariste Geordie Walker est le seul autre membre permanent du groupe. En 1994, Killing Joke sort l’album Pandemonium qui marque et influence profondément la scène du metal industriel. L’album est encore actuellement une référence dans ce style musical. Leurs sons de guitare et de basse jouent beaucoup sur la distorsion, accompagnés selon l'époque par une batterie tantôt tribale et puissante, tantôt funky et par des synthétiseurs typiques de la new wave. Le chant joue, selon les morceaux et les périodes, sur des plages allant d’une grande douceur au hurlement tribal. Coleman partage son temps entre la composition d’œuvres symphoniques et le travail en studio et sur scène pour Killing Joke. Il a étudié de nombreuses cultures, vit actuellement entre Prague et la Nouvelle-Zélande et a développé une passion pour l'occultisme, le folklore tchèque et la musique māori. |
Rage Against the Machine Rage Against the Machine (alias Rage ou RATM) est un groupe mélangeant le rock, le rap et le funk, originaire des États-Unis formé en 1990 par Tom Morello et Zack de La Rocha. Avec l'arrivée en renfort de Tim Commerford et Brad Wilk, le groupe va marquer les années 1990 jusqu'à sa dissolution en 2000. Le groupe se reforme à nouveau en janvier 2007 pour le festival de Coachella soit un an avant les élections présidentielles américaines. Le groupe se caractérise principalement par la rythmique des paroles et ses prises de position politique (contre le racisme, le capitalisme et la mondialisation). Plutôt orienté vers l’extrême gauche, RATM est connu pour ses nombreuses revendications et son appui à différents mouvements de revendication sociaux et musicaux. Rage Against the Machine se compose de Zack de la Rocha au chant, de Tom Morello à la guitare, de Tim Commerford à la basse et de Brad Wilk à la batterie. |
Queen Queen est un groupe de rock britannique, formé en 1970 à Londres par Brian May, Roger Taylor et Freddie Mercury, tous trois issus du groupe Smile. L’année suivante, le bassiste John Deacon vient compléter la formation et Queen prend son nom définitif. Groupe britannique qui a connu le plus grand nombre de succès commerciaux ces trente dernières années, pionnier du clip vidéo ayant exploité avec succès ce mode de communication dès 1975, Queen a conservé, malgré la mort de son leader Freddie Mercury en 1991, de très nombreux inconditionnels dans le monde entier. |
Heavy metal Le heavy metal (ou communément metal) est un sous-genre du rock. Le heavy metal puise son inspiration, entre 1969 et 1974, dans des groupes de hard rock qui, en combinant blues et rock, ont créé un hybride aux sonorités lourdes et épaisses, centré sur les impulsions de la batterie et de la guitare à la distorsion très amplifiée. Au fil des années, le heavy metal a donné naissance à des sous-genres variés et, bien que ceux-ci soient généralement appelés « metal » par le grand public, le terme « heavy metal » a maintenant deux sens distincts : soit le genre et toutes ses variantes, soit le style original des groupes des années 1970 et 1980 — parfois baptisé de « heavy metal traditionnel » . De ce fait, la définition du terme tend à être ambiguë et n'est pas la même selon la période de l'histoire du rock à laquelle on se réfère. |
Freddie Mercury Freddie Mercury, né Farrokh (ou Faroukh) Pluto Bulsara le à Stone Town, dans le protectorat de Zanzibar (aujourd'hui intégré à la Tanzanie) et mort le à Londres, était un chanteur de rock britannique. Avec une étendue vocale peu commune et une bonne maîtrise de quelques techniques d'opéra, il demeure, parmi les chanteurs de rock du XXe siècle, l'un des plus populaires et techniquement accomplis. Leader du groupe Queen, il compose plusieurs de ses grands succès, dont Bohemian Rhapsody, Somebody to Love et We Are the Champions. Il apparaît sur la « liste des cent Britanniques les plus célèbres » établie en 2002 par vote national ; il y est classé cinquante-huitième. Mercury se fait connaître principalement avec Queen en tant que chanteur charismatique et homme de scène accompli, dont les performances en public sont encore considérées à ce jour comme parmi les plus impressionnantes du rock moderne. Séropositif depuis 1987, il est finalement emporté par une pneumonie. Sa fin de vie et son décès, très médiatisés, en particulier à l'occasion du Freddie Mercury Tribute, attirent l'attention du public sur cette maladie et sur les comportements à risques. |
Bohemian RhapsodyBohemian Rhapsody est une chanson écrite par Freddie Mercury, enregistrée par le groupe Queen pour l'album A Night at the Opera, sorti en 1975. La chanson, qui adopte le style opéra-rock, repose sur une structure assez inhabituelle pour un titre de musique pop : découpée en six parties, elle est dépourvue de refrain et comporte des arrangements tantôt a cappella, tantôt hard rock. En dépit de la singularité de son format, elle sort en 45 tours (single) et devient un immense succès commercial, marquant une étape décisive dans la carrière du groupe Queen et posant les jalons de sa reconnaissance au panthéon des grands groupes de rock internationaux. Le morceau est accompagné de ce que l'on nomme alors une vidéo promotionnelle, aujourd'hui considérée comme ayant contribué à fixer les bases du langage visuel moderne employé dans les clips vidéo. Par la suite, Bohemian Rhapsody demeure systématiquement joué lors des concerts du groupe et jouit toujours d'une très grande popularité de par le monde. |
Ozzy Osbourne John Michael Osbourne, dit Ozzy Osbourne, né le à Aston (Birmingham), est un chanteur de heavy metal britannique. Il est surnommé The Prince of Darkness (« Le prince des ténèbres », en français) en référence aux frasques de sa vie privée et de ses prestations sur scène. Il est connu à la fois pour sa carrière musicale solo, qui se poursuit toujours, et comme chanteur au sein de Black Sabbath, l'un des groupes fondateurs du metal et créateur du titre emblématique War Pigs (1970). En 2002, l'émission de téléréalité consacrée à la vie quotidienne d'Ozzy Osbourne et de sa famille, The Osbournes, est diffusée sur la chaîne musicale MTV. Elle fait découvrir au grand public cette figure du monde du metal. |
The Who The Who (en français, littéralement, "les Qui") est un groupe de rock britannique créé en 1964. Considéré comme l'un des symboles des années 1960, The Who a eu une influence majeure sur la musique rock dans son ensemble. On lui doit notamment les chansons My Generation et Won't Get Fooled Again. Pratiquant au départ un rock'n'roll explosif que l'on désigne sous le terme de Maximum R'n'B et qui annonçait le mouvement punk, The Who est le pionnier de nombreux autres styles, dont une musique rock davantage réfléchie et influencée par l'art en général, tels que les opéras rock. Dans les années 2000, le groupe est toujours actif. |
Supertramp Supertramp est un groupe de rock progressif britannique créé en 1969 par Rick Davies et Roger Hodgson. Il réalisa ses plus grosses ventes dans les années 1970. Initialement, la musique de Supertramp est composée d'ambitieux albums-concepts, mais le groupe sera plus connu par la suite pour ses chansons « beatlesques » comme Dreamer, Give a Little Bit, The Logical Song et Goodbye Stranger. Malgré son succès commercial, le groupe n'a jamais déclenché le fanatisme du public ; ainsi, même à l'apogée de leur popularité, les membres du groupe pouvaient encore sortir sans crainte d'être reconnus. |
Jimi Hendrix James Marshall Hendrix, plus connu sous le nom de Jimi Hendrix (né Johnny Allen Hendrix le 27 novembre 1942 à Seattle et décédé le 18 septembre 1970 à Londres) était un guitariste, chanteur et compositeur américain. Il est considéré comme l'un des musiciens les plus novateurs du XXe siècle, notamment en raison de son approche révolutionnaire de la guitare électrique et des techniques d'enregistrement en studio. Improvisateur sortant des sentiers battus, il libère son instrument de ses contraintes en utilisant les ressources nées de l'amplification et donne à la guitare électrique moderne ses lettres de noblesse. Son influence dépasse largement le cadre de la musique rock : la plupart des styles musicaux qui se développèrent dans les années 1970 reprirent certains éléments de sa musique. Miles Davis joua ainsi un jazz électrique très marqué par le guitariste. Hendrix a révolutionné l'approche de la guitare électrique, notamment par son utilisation des pédales d'effet et des ressources de l'amplification. Au début de l'Experience, il combine la saturation des amplificateurs à lampes (en jouant à un haut volume sonore) avec la Fuzz Face, une pédale de saturation provoquant un fort écrêtage du son. Cela lui permettait de générer du feedback (dû au larsen de ses amplificateurs) qu'il pouvait contrôler en temps réel grâce à son levier de vibrato ou sa technique de main droite. Roger Mayer construira pour lui l'Octavia (une pédale de saturation jouant sur les fréquences en doublant à l'octave supérieure) qu'il utilisera dès l'enregistrement de Purple Haze, puis avec le Band of Gypsys. Hendrix est l'un des premiers à utiliser la pédale wah-wah (en 1967). Il est selon Larry Coryell « le premier à l'avoir abordée sérieusement et à y avoir passé des heures de pratique. » |
R.E.M. R.E.M. est un groupe de rock américain formé à Athens (Géorgie) en 1979 par Michael Stipe (chant), Peter Buck (guitare), Mike Mills (basse) et Bill Berry (batterie). Ce fut l'un des premiers groupes de rock alternatif populaires, attirant très tôt l'attention grâce au jeu de guitare en arpèges de Buck et aux paroles énigmatiques de Stipe. R.E.M. sort son premier single, Radio Free Europe, en 1981, suivi de l'EP Chronic Town en novembre 1981. Le groupe sort un deuxième album encensé par la critique, Murmur, en 1983, et bâtit sa réputation durant les années suivantes à travers plusieurs albums, des tournées incessantes et le soutien des radios étudiantes. Après plusieurs années de succès « underground », R.E.M. touche le grand public avec le titre The One I Love. Le groupe signe alors avec Warner Bros. Records en 1988, et commence à s'engager sur le plan politique et environnemental, tout en se produisant dans des salles de plus en plus importantes dans le monde entier. |
AC/DC AC/DC est un groupe de rock australo-britannique formé à Sydney en 1973 par les frères Angus et Malcolm Young. Bien que classé dans le hard rock et considéré comme un pionnier du metal, les membres ont toujours qualifié la musique d’AC/DC de « rock 'n' roll ». La composition d’AC/DC subit beaucoup de changements avant la sortie du second album en Australie, T.N.T., en 1975. Elle est ensuite restée inchangée jusqu’à ce que Mark Evans soit remplacé par Cliff Williams en 1977. En 1979, le groupe connaît un succès mondial avec son album Highway to Hell. Le chanteur et co-parolier Bon Scott meurt le , après une nuit de forte consommation d’alcool. Le groupe envisage alors la dissolution mais l’ancien chanteur de Geordie, Brian Johnson est choisi comme remplaçant de Bon Scott. La même année, le groupe sort l’album qui est leur plus grand succès, Back in Black. L’album suivant, For Those About to Rock We Salute You, a aussi beaucoup de succès et est le premier de leurs albums à atteindre la première place des ventes aux États-Unis. AC/DC commence à diminuer en popularité en 1983, date à laquelle Phil Rudd est congédié. Le batteur du groupe est alors Simon Wright jusqu’en 1989, puis Chris Slade, jusqu’au retour de Phil Rudd en 1994. C’est à partir de 1986 que la popularité du groupe remonte… |
The Cure The Cure (parfois simplement abrégé en Cure) est un groupe de rock et de new wave britannique, formé en 1976 à Crawley dans le Sussex de l’Ouest (Angleterre), qui a marqué les années 1980 et 1990. La formation actuelle est composée de Robert Smith, de Porl Thompson à la guitare, Simon Gallup à la basse et Jason Cooper à la batterie. Robert Smith est la figure emblématique du groupe. Il en est le chanteur et le guitariste (il joue également de la basse ou des claviers), le parolier et le principal compositeur. The Cure a développé un son qui lui est propre, aux ambiances tour à tour mélancoliques, rock, pop, glaciales et psychédéliques, créant de forts contrastes, où la basse est mise en avant et n’est pas seulement un instrument d’accompagnement. La basse six cordes, au son caractéristique, souvent utilisée dans des motifs mélodiques, est devenue une signature sonore du groupe. Cette identité musicale, ainsi qu’une identité visuelle véhiculée par des clips, contribuent à la popularité du groupe, qui atteint son sommet dans les années 1980. De nombreux fans copient alors les tenues vestimentaires amples et sombres des musiciens et la coiffure arachnéenne de Robert Smith… |
DoolittleDoolittle est le deuxième album du groupe de rock alternatif américain, Pixies. Il est sorti en sur le label 4AD. L’atmosphère sombre du disque et ses multiples références au surréalisme, à de sombres histoires tirées de l’Ancien Testament, à la mort et à la torture, contrastent avec la production propre et alléchante du producteur Gil Norton. Doolittle fut le premier album du groupe à être distribué à l’échelle internationale, la distribution étant assurée par Elektra Records aux États-Unis. Deux singles furent tirés de l’album, Here Comes Your Man and Monkey Gone to Heaven, qui furent tous deux des succès au niveau des classements spécialisés américains. L’album lui-même eut un succès inattendu et atteignit la 8e place des ventes de disques au Royaume-Uni. Rétrospectivement, des morceaux comme Debaser, Wave of Mutilation et Hey ont été salués par les critiques, tandis que Surfer Rosa, premier album du groupe, reste considéré comme son meilleur opus. |
Mike Porcaro Mike Porcaro, né Michael Joseph Porcaro le à Hartford, Connecticut, est un bassiste américain. Son jeu mêle des influences de rock et de jazz-rock. Frère de Steve et Jeff Porcaro, il est depuis 1984, après le départ de David Hungate, le bassiste du groupe de rock californien Toto, avec lequel il a effectué la quasi-totalité de sa carrière musicale. Il a participé à tous les albums studio et live du groupe, depuis Toto IV jusqu’à Falling in Between, sorti en . |
Pixies Pixies est un groupe de rock alternatif américain formé en 1986 à Boston, Massachusetts. Le groupe s’est séparé en janvier 1993 dans des conditions quelque peu houleuses, mais s’est reformé en avril 2004. Depuis l'origine, il est constitué de 4 membres : Black Francis (né Charles Thompson IV, et ayant aujourd'hui pour nom d'artiste Frank Black) (chant et guitare rythmique), Joey Santiago (guitare lead), Kim Deal (basse et chant) et David Lovering (batterie). Le groupe n'a rencontré qu'un modeste succès dans son pays d'origine, mais a été beaucoup mieux accueilli en Europe, sans que pour autant ses albums touchent le grand public. Le groupe est largement considéré comme l'un des fers de lance lors de l’explosion du rock alternatif au début des années 1990, bien qu’il se soit séparé avant d’avoir pu bénéficier pleinement de ce statut de pionnier. Leur influence s'est considérablement étendue après leur séparation. |
Scorpions2.jpg) Scorpions est un groupe de hard rock, originaire de Hanovre (Allemagne). Leur premier album a vu le jour en 1972. Le groupe a connu un prestige planétaire — surtout à partir des années 1980 — en raison de titres hard rock tels que No One Like You en 1982 ou Rock You Like a Hurricane en 1984 et de ballades à l'instar de Still Loving You la même année ou Wind of Change et Send Me an Angel en 1990, toutes chansons au succès commercial presque systématique. Le déclin médiatique venu à partir des années 1990, les protagonistes se sont tournés vers de nouvelles expériences, avec notamment Moment of Glory (avec l'Orchestre philharmonique de Berlin) et Acoustica (album live acoustique) mais reviennent à leurs recettes traditionnelles en 2004 avec un Unbreakable salué par de nombreux fans et suivi en 2007 de l'album Humanity - Hour 1. À ce jour ils ont vendu plus de 75 millions d'albums à travers le monde. |
Dropkick Murphys Dropkick Murphys est un groupe de punk celtique formé en 1996 à Quincy, à côté de South Boston (Massachusetts), États-Unis. Il mêle des influences de musique irlandaise traditionnelle, punk hardcore, oi! et folk rock. À ses débuts, la formation comprend Mike McColgan (chant) Ken Casey (basse, chant), Rick Barton (guitare, chant) et Matt Kelly (batterie). Au fil de sa carrière, Dropkick Murphys acquiert une réputation importante grâce à de nombreuses tournées dans le monde entier et à l'organisation des week-ends de la Fête de la Saint-Patrick à Boston durant lesquels le groupe joue durant sept jours de suite, et auxquels des milliers de fans provenant du monde entier assistent chaque année. Le groupe se fait également connaître avec la reprise de bon nombre de chansons traditionnelles irlandaises, telles que Finnegan's Wake, The Fighting 69th, Black Velvet Band ou encore The Auld Triangle. Enfin, il connaît le succès commercial avec l'album The Warrior's Code et notamment le tube I'm Shipping Up to Boston, multi-diffusé sur les radios américaines et utilisé dans le film de Martin Scorsese, Les Infiltrés. La devise du groupe évoque l'importance de la famille et de la fierté à l'égard de ses origines. Il se présente souvent comme la voix des ouvriers et s'implique beaucoup dans les œuvres caritatives dans le Massachusetts. Par ailleurs, plusieurs des chansons rendent hommage à certaines personnes disparues, proches ou non de la formation, à l'image du sergent Farrar, fan du groupe et mort en Irak. Leurs influences vont de Thin Lizzy à Stiff Little Fingers, en passant par The Pogues, The Clash, The Dubliners ou encore AC/DC. |
Punk rock Le punk rock est un genre musical dérivé du rock, apparu au milieu des années 1970 et associé au mouvement punk de cette même époque. Précédé par une variété de musique protopunk des années 1960 et du début des années 1970, le punk rock se développe surtout entre 1974 et 1976 aux États-Unis, au Royaume-Uni et en Australie. Des groupes comme les Ramones, les Sex Pistols, et The Clash sont reconnus comme les pionniers d'un nouveau mouvement musical. Les groupes de punk rock, s'opposant à la lourdeur qu'ils jugent excessive et à l'institutionnalisation du rock populaire des années 1970, créent une musique rapide et rude, généralement servie par des chansons de courte durée, une instrumentation simplifiée et des paroles souvent chargées de messages politiques ou nihilistes. Le mouvement punk, associé au genre, exprime une rébellion jeune et est caractérisé par des styles vestimentaires distinctifs, une variété d'idéologies anti-autoritaires et une attitude do it yourself (« Faites-le vous-même »). Le punk rock est rapidement devenu un phénomène culturel majeur au Royaume-Uni. En majorité, les racines du punk se trouvent dans des scènes locales qui ont eu tendance à rejeter toute connexion avec les courants musicaux dominants. Pendant les années 1980, des styles encore plus rapides et agressifs, tels que le punk hardcore et la Oi!, ont évolué et sont devenus une composante importante du paysage punk. Des musiciens s'identifiant ou s'inspirant du punk rock lui ont permis de s'élargir et se diversifier. Ces pratiques ont notamment donné naissance au mouvement rock alternatif. À partir du milieu des années 1990, de nouveaux groupes de punk rock comme Green Day, Blink-182, The Offspring offrent au genre une nouvelle popularité plusieurs décennies après son émergence, mais sont dénigrés par une grande partie du mouvement punk qui les accuse d'avoir institutionnalisé et rendu « commercial » le style, sans partager les valeurs de base. |
The WallThe Wall (litt. « le Mur ») est le onzième album studio du groupe britannique de rock progressif Pink Floyd et leur second double album après Ummagumma. Enregistré sur une période de huit mois, l’album est sorti le en Grande-Bretagne et le de la même année aux États-Unis. Il est entre autres nommé dans la liste des 500 plus grands albums de tous les temps selon le magazine Rolling Stone et marque l'apogée du groupe qui ne rencontrera plus de succès équivalent par la suite. L’album fait partie des meilleures ventes d'albums aux États-Unis et est le double-album le plus vendu au monde. L’album The Wall fait partie d’un grand projet concept à trois volets, le premier étant l’album lui-même, sa représentation sur scène et, finalement, un long métrage basé sur l’histoire de l’album. La réalisation du projet dure quatre ans ; le projet est créé en 1978 et le film sort en 1982. Comme les trois albums précédents du groupe (The Dark Side of the Moon, Wish You Were Here et Animals), The Wall est un album-concept, mais aussi un opéra-rock ; il traite du thème de l'isolement et de ses conséquences mentales, et les chansons suivent toutes un fil conducteur pour former une histoire. De ce fait, l’album est considéré comme plus dur et plus théâtral que les précédents albums de Pink Floyd. The Wall marque la dernière véritable entente entre les deux auteurs-compositeurs du groupe, Roger Waters et David Gilmour. Les tensions sont alors croissantes au sein du groupe, avec Waters devenu sa seule force motrice — il signe seul la quasi-totalité des titres de l'album —, et finissent par mener à l’exclusion du claviériste Richard Wright, qui ne réintègre le groupe officiellement qu’en 1994, longtemps après le départ de Waters. Ce dernier quitte le groupe en 1985, après l’album suivant, The Final Cut, pour entamer une carrière solo. |
Linkin Park Linkin Park est un groupe américain de rock alternatif formé en 1996 à Agoura Hills en Californie, emmené par Chester Bennington (chant), Mike Shinoda (chant, rap, guitare et claviers), Brad Delson (guitare), Dave Farrell (basse), Rob Bourdon (batterie) et Joe Hahn (platines, effets et mixage). Ils connurent un succès mondial dès leur premier album en 2000, Hybrid Theory, écoulé à des millions d'exemplaires dans le monde et classé disque de diamant par la RIAA. Leur second album, Meteora, sorti en 2003, et certifié multi disque de platine dans de nombreux pays, consolida leur place de groupe phare. Ayant exploré toutes les directions qu'offraient le nu metal et le rapcore, le groupe décida de se tourner vers d'autres genres dans leur album suivant, Minutes to Midnight, sorti en 2007. Ce dernier prit la tête des ventes dans 32 pays et se classa meilleure entrée de l'année aux États-Unis. Leur dernier opus, l'album concept A Thousand Suns, est sorti le 14 septembre 2010. Considéré par le sextuor comme un second nouveau départ, il a pris la tête de nombreuses charts dont le Billboard 200. Ils ont également collaboré avec plusieurs artistes, notamment avec le rappeur Jay-Z dans l'album Collision Course sorti en 2004, et quelques autres dans leur album remix Reanimation de 2002 ; et sorti les CD/DVD live Live In Texas et Road to Revolution : Live at Milton Keynes. Le groupe est en tournée à travers le monde depuis à l'occasion du A Thousand Suns World Tour qui comprend de nombreuses dates. En , Linkin Park avait vendu plus de 50 millions d'albums et gagné deux Grammy Awards. |
Biffy Clyro Biffy Clyro est un groupe de rock alternatif écossais originaire de Kilmarnock formé en 1995 et composé de trois musiciens : Simon Neil (chant et guitare) et les jumeaux James (basse) et Ben Johnston (batterie). Si leurs mélodies sont assez douces, celles-ci se construisent autour d'un son typiquement rock, avec une section rythmique bien présente. Simon Neil chante d'une voix puissante, parfois épaulé par les deux autres membres du trio qui assurent les chœurs. Après leurs trois premiers albums, le groupe élargit son public de manière significative avec la sortie du quatrième opus, Puzzle, en 2007, qui est disque d'or au Royaume-Uni. Le cinquième, Only Revolutions, est lui disque de platine en 2010 et nommé pour le Mercury Music Prize, tandis que le sixième, Opposites, publié le 28 janvier 2013, atteint la tête du classement des ventes d'albums britanniques dès la première semaine et est disque d'or après seulement dix jours. Depuis 1998, ils effectuent de longues tournées et sont très régulièrement en première partie du groupe Muse depuis 2007, ce qui leur permet de jouer dans de grandes enceintes telles que le Parc des Princes en 2007 et Wembley en 2010. C'est dans ce même stade que Biffy Clyro enregistre le 4 décembre 2010 son premier album live, Revolutions : Live at Wembley, sorti en 2011. Le trio ouvre ensuite pour Foo Fighters au Milton Keynes Bowl devant 130 000 personnes sur deux soirs. |
George Harrison.jpg) George Harrison MBE (né le à Liverpool, et mort le à Los Angeles) est un musicien, auteur-compositeur, chanteur et producteur de cinéma britannique, guitariste et plus jeune membre des Beatles. Fils d'une famille de la classe moyenne de Liverpool, il est un ami d'enfance de Paul McCartney, qui le propose, début 1958 à John Lennon, pour qu'il intègre sa formation, The Quarrymen. À trois, ils forment le noyau du groupe qui devient les Beatles en 1960 et, après l'arrivée de Ringo Starr et à partir de 1963, un des plus grands phénomènes de l'histoire de la musique populaire du XXe siècle. L'influence de Harrison dans la musique des Beatles va croissante au fil des années. Il est tout d'abord le guitariste solo et un des trois chanteurs d'un groupe qui se distingue très vite pour la qualité de ses harmonies vocales. À partir de 1965, il introduit la spiritualité, la musique et les instruments indiens dans l'univers musical des Fab Four. Enfin, il compose quelques-unes de leurs plus belles chansons durant les dernières années, comme While My Guitar Gently Weeps, Something ou Here Comes the Sun. Il est aussi un pionnier de l'utilisation du synthétiseur dans le rock. À mesure que son talent de compositeur s'affirme, sa frustration de rester dans l'ombre du tandem Lennon/McCartney grandit. Elle participe aux dissensions qui conduisent à la séparation des Beatles en 1970. Harrison connaît une belle réussite artistique et commerciale au début de sa carrière solo, avec son triple album All Things Must Pass et sa chanson My Sweet Lord. Il organise en 1971 un concert pour le Bangladesh, le premier concert de bienfaisance de l'histoire du rock. Il se lance également dans le cinéma, en fondant la société de production HandMade Films, qui produit notamment le film des Monty Python La Vie de Brian, dans lequel il fait une brève apparition. Il connaît des hauts et des bas dans sa carrière solo, avant de créer en 1988 le supergroupe Traveling Wilburys, avec Roy Orbison, Tom Petty, Jeff Lynne et Bob Dylan, formation qui produit deux albums. Tout d'abord marié à Pattie Boyd de 1966 à 1977, il épouse Olivia Trinidad Arias en 1978, avec qui il a un fils, Dhani. Ses apparitions se font rares au cours des années 1990, durant lesquelles il participe au projet Anthology des Beatles et travaille épisodiquement à un hypothétique album, finalement publié après sa mort, Brainwashed. Un cancer de l'œsophage lui est diagnostiqué en 1997. Il y succombe le 29 novembre 2001, déjà fragilisé par une tentative d'assassinat dont il a été victime en 1999. Dix ans après sa mort, il est encore considéré par le public comme l'un des grands artistes de son époque. |
Enter Shikari Enter Shikari (anciennement Hybryd) est un groupe anglais de post-hardcore, formé en 2003 à St Albans, dans le Hertfordshire et composé de Roughton « Rou » Reynolds à la voix et au clavier, Chris « Batty C » Batten à la basse et à la voix, Liam « Rory » Clewlow à la guitare et Rob Rolfe à la batterie. Surfant sur la vague Myspace, Enter Shikari obtient une place au Download Festival 2006, puis fait salle comble au London Astoria, étant ainsi l'un des premiers groupes à succès de la toile. Celui-ci se confirme ensuite à la sortie du premier album Take to the Skies, qui se classe à la 4e place des charts britanniques et est disque d'or. Les albums suivants décrivent la même trajectoire puisque le second, Common Dreads, se classe directement à la 16e place et le troisième, A Flash Flood of Colour, à la 4e place dès la première semaine. Les membres du groupe sont responsables de leur propre label, Ambush Reality, mais ont signé auprès de majors afin d'assurer la distribution de leurs albums dans le monde. Leur style est difficile à décrire car il y a beaucoup d'influences musicales sur un même album, et parfois dans une même chanson. Globalement, ils représentent le croisement entre le post-hardcore, le screamo, le punk et l'electro. |
Discographie des Foo Fighters La discographie des Foo Fighters, groupe de rock alternatif américain, comprend l'ensemble des disques publiés au cours de leur carrière. Le premier, homonyme du groupe, est presque intégralement enregistré par Dave Grohl en 1994. La dernière compilation Medium Rare est publiée en 2011. Cette discographie est composée de dix albums (studio, en concert et compilation), quatre DVD, une quarantaine de singles et une multitude de collaborations. Foo Fighters a publié sept albums studio depuis 1995, dont notamment, le double album In Your Honor de 2005, composé d'un disque de chansons électriques et d'un de chansons acoustiques. Suite à cet opus, le groupe entame une tournée acoustique qui donne lieu à la sortie de Skin and Bones en 2006, le seul live en CD. Ils sont tous au minimum disque d'or outre-Atlantique et au Royaume-Uni. C'est en 2009 que sort dans les bacs Greatest hits, la première compilation reprenant les chansons les plus marquantes du groupe. Une deuxième compilation, originalement publiée uniquement en vinyle et comprenant reprises et faces B de différents singles, est vendue en nombre limité en 2011. Il est à noter qu'un maxi, souvent appelé Five Songs and a Cover, a vu le jour en 2005. Avec pas moins de 43 singles, dont 12 promotionnels et un grand nombre qui ont occupé la première place des classements des ventes, le groupe connaît un succès international grandissant depuis ses débuts à Seattle. Certains d'entre eux comme Everlong, Best of You ou The Pretender sont devenus des hymnes du groupe et sont régulièrement repris dans des manifestations sportives. Foo Fighters s'articule aujourd'hui autour du chanteur et guitariste Dave Grohl avec Taylor Hawkins à la batterie, Nate Mendel à la basse, Chris Shiflett et Pat Smear à la guitare, et a dépassé les 10 millions d'albums vendus juste aux États-Unis. |
Hybrid Theory Hybrid Theory est le premier album du groupe américain de rock Linkin Park, sorti le aux États-Unis sous le label Warner Bros. Records. L'album a rencontré un très grand succès commercial puisqu'il a été vendu à plus de 24 millions d'exemplaires dans le monde, dont 10 millions aux États-Unis, ce qui lui vaut un disque de diamant. Il est l'album le plus vendu depuis le début du XXIe siècle. Il a atteint la deuxième place du Billboard 200 et des positions élevées dans les autres classements de vente d'albums dans le monde. Enregistré aux studios NRG Recordings à North Hollywood en Californie et produit par Don Gilmore, l'album traite des problèmes rencontrés par le chanteur principal Chester Bennington lors de son adolescence, notamment sa dépendance à la drogue, les constantes violences et le divorce de ses parents. L'album doit son titre au nom que portait le groupe à la fin des années 1990. Quatre chansons de l'album sont sorties en single : One Step Closer, Papercut, Crawling (qui a remporté un Grammy Award), et In the End. Ce dernier titre a contribué grandement à la popularité du groupe à l'époque de sa sortie. Lors de la cérémonie des Grammy Awards de 2002, Hybrid Theory est nommé pour le prix du « Meilleur Album Rock ». L'album est d'ailleurs référencé dans le livre 1001 Albums You Must Hear Before You Die et est également classé onzième du Billboard's Hot 200 Albums Decade. Une édition spéciale de Hybrid Theory est publiée le , deux ans après l'original. |
Nightwish Nightwish est un groupe de metal symphonique finlandais formé en 1996 à Kitee, dans la région de la Carélie du Nord. Il est considéré comme l'un des représentants du genre et comme l'un des groupes responsables du gain de popularité qu'a connu le metal symphonique à la fin des années 1990. Bien que le groupe soit devenu célèbre dans son pays natal dès la sortie de son premier single, The Carpenter (1997), la renommée internationale n'a débuté qu'avec la sortie des albums Oceanborn et Wishmaster, respectivement en 1998 et 2000, et plus particulièrement avec la chanson Sleeping Sun en 1999 qui est le premier des singles du groupe à paraître au-delà des frontières de la Finlande, lui permettant ainsi de se faire connaître à travers toute l'Europe. En , les membres du groupe décident de se séparer de leur chanteuse Tarja Turunen qui est officiellement remplacée le par la chanteuse suédoise d'Alyson Avenue, Anette Olzon. Le dernier album du groupe, Dark Passion Play, est sorti le . |
Chœurs (album)Chœurs est un album musical de Bertrand Cantat, Pascal Humbert, Bernard Falaise et Alexander MacSween publié sur les plates-formes de téléchargement le et sur support physique le aux éditions Actes Sud. Les dix-sept chansons composées par le quatuor musical sur les textes du tragique grec Sophocle, traduits par Robert Davreu, constituent les chœurs antiques de la trilogie théâtrale « Des femmes » du metteur en scène libano-québécois Wajdi Mouawad, créée en .
Si certains aspects théâtraux du cycle et quelques choix scénographiques suscitèrent diverses critiques, les créations musicales du spectacle et la présence du chanteur sur scène furent unanimement saluées comme une grande réussite artistique, ainsi que la publication de l'album à la fin de l'année 2011. Chœurs est le premier album de Bertrand Cantat depuis l'enregistrement de Nous n'avons fait que fuir en 2002 (publié en 2004) et la fin officielle du groupe Noir Désir, annoncée en novembre 2010. C'est également le premier album de l'artiste publié en son nom propre, indépendamment de celui d'un groupe. |
Foo Fighters (album) Foo Fighters est le premier album du groupe américain de rock alternatif Foo Fighters, publié le par Capitol Records sur le label de Dave Grohl, Roswell Records. Unique membre du groupe de l'époque, il écrit et enregistre seul l'intégralité de l'album, en dehors de quelques passages interprétés à la guitare par Greg Dulli, avec l'aide de son ami producteur Barrett Jones aux Studios Robert Lang de Seattle en 1994. Initialement, Dave Grohl enregistre cet album uniquement dans le but de s'amuser, décrivant l'expérience comme un exutoire après le suicide de Kurt Cobain, leader emblématique de son ancien groupe Nirvana. C'est seulement à la fin de l'enregistrement que Dave Grohl décide d'intituler son travail, dont il donne des copies à ses amis. Capitol Records montrant un intérêt pour cette réalisation, il signe un contrat auprès du label et cherche des musiciens dans le but de jouer les chansons en concert. Six singles, dont deux avec clip, et d'intenses tournées permettent au groupe de promouvoir l'album, recevant par la suite des critiques positives, que ce soit sur l'écriture des chansons ou les performances sur scène. L'album est un succès, puisqu'il est le deuxième album du groupe le plus vendu aux États-Unis et entre dans le top 5 des classements des meilleures ventes au Royaume-Uni, au Canada, en Australie et en Nouvelle-Zélande. |
Ommadawn Ommadawn est le troisième album studio du musicien britannique Mike Oldfield, paru en octobre 1975 chez Virgin Records. Il clôt la trilogie commencée avec Tubular Bells (1973), succès critique et commercial colossal, et poursuivie avec Hergest Ridge (1974), qui s'est bien vendu mais qui a connu de sévères critiques. Comme ces deux opus, Ommadawn se compose de deux suites d'environ vingt minutes, qui occupent chacune une face du disque. En novembre, il se hisse à la quatrième place des charts britanniques. La majeure partie de l'album est enregistrée au Beacon, la maison d'Oldfield dans le Herefordshire, où il a installé un studio. Paddy Moloney, leader des Chieftains, est invité à jouer de la cornemuse irlandaise, tandis que le groupe sud-africain Jabula joue des percussions africaines. Ces influences celtiques et africaines permettent à Oldfield de créer une composition préfigurant la world music. Au final, Ommadawn est considéré comme un de ses meilleurs albums par ses fans ; il est très apprécié des amateurs de new age. En juin 2010, l'album est ressorti sous le label Mercury avec du contenu additionnel. |
Octavarium Octavarium est le huitième album studio du groupe américain de metal progressif Dream Theater publié le par Atlantic Records, le dernier pour le groupe après quatorze ans de contrat. Enregistré entre novembre 2004 et février 2005, l'album est la dernière production réalisée au studio Hit Factory de New York avant sa fermeture définitive. Avec cet album, le groupe souhaite créer « un album de Dream Theater classique » mêlant les différentes influences stylistiques tout en voulant faire une musique moins complexe et des chansons plus courtes. C'est aussi le premier album du groupe où figure un orchestre. La structure de l'album est basée sur les chiffres 5 et 8, correspondant aux 8 notes naturelles et aux 5 notes altérées d'une octave. Octavarium reçoit des critiques globalement positives et atteint le top 5 des classements de ventes en Finlande, en Italie et en Suède. La diversité musicale de l'album est louée mais son inconsistance dans l'écriture est dénoncée. Dream Theater tourne ensuite pendant une année à travers le monde pour le promouvoir avec une majorité de spectacles dont la durée est proche des trois heures et dont la programmation est différente chaque soir. Cette tournée se conclut au Radio City Music Hall le à New York pour fêter les vingt ans du groupe, qui est accompagné pour l'occasion d'un orchestre. Le concert est enregistré et donne lieu à la sortie de l'album live Score le 29 août de la même année. |
Why Don't We Do It in the Road?.png) Why Don't We Do It in the Road? est une chanson des Beatles, parue sur leur « album blanc » le . Composée par Paul McCartney, elle est cependant signée Lennon/McCartney, comme toutes les chansons du groupe provenant de l'un ou l'autre. Son origine remonte au séjour des Beatles en Inde : l'auteur de la chanson a expliqué qu'en observant deux singes s'accoupler, il avait été frappé par la simplicité de l'acte chez les animaux, opposée à la vision compliquée qu'en ont les humains. La chanson est rapidement enregistrée les 9 et 10 octobre 1968. Son auteur y joue de tous les instruments à l'exception de la batterie, jouée par Ringo Starr. Les paroles et la musique de la chanson sont simples et directes, à l'image du message que souhaite faire passer McCartney. Elles reflètent également le retour aux sources opéré par les Beatles sur l'album blanc après les innovations psychédéliques de Sgt. Pepper et Magical Mystery Tour. Avec les titres Helter Skelter et Back in the U.S.S.R., Why Don't We Do It in the Road? permet également à McCartney de démontrer sa versatilité et de trancher avec son image d'auteur de ballades comme Yesterday. Le phénomène inverse se produit avec Lennon, généralement considéré comme le « rocker » du groupe, mais qui écrit pour l'album blanc des chansons délicates comme Julia et Good Night. |
Oh LoveOh Love est une chanson du groupe américain de punk rock Green Day. Elle est sortie le en tant que premier single extrait de ¡Uno!, le neuvième album studio du groupe. La chanson sort initialement en format digital avant d'être éditée sur un maxi intitulé Oh Love E.P. et en CD single au cours du mois d'août. Le style de la chanson est classé à sa sortie par les médias et par le groupe lui-même comme de la powerpop, préfigurant le style de leur nouvel album ¡Uno! qui sort deux mois plus tard. Oh Love reçoit des critiques mitigées dans la presse mais se classe tout de même dans plusieurs classements de ventes internationaux et en particulier à la première place du classement Rock Songs établi par le magazine américain Billboard. |
The Beatles at the Hollywood Bowl The Beatles at the Hollywood Bowl est le premier album live officiel des Beatles, publié le aux États-Unis, et deux jours plus tard au Royaume-Uni. Paru sept ans après la séparation du groupe, il avait été enregistré lors des tournées américaines de 1964 et de 1965 des Fab Four (en fait, des concerts au Hollywood Bowl de Los Angeles donnés à une année d'écart), dans l'optique d'un disque pour le marché américain. Les bandes, saturées par les hurlements du public, ont dans un premier temps été délaissées pour leur piètre qualité. En 1977, Capitol Records demande au producteur George Martin de nettoyer les pistes pour produire un disque de bonne qualité. Le résultat est publié dans le monde entier, et si les anciens membres du groupe, non sollicités, se montrent déçus par le disque, il se classe néanmoins en tête des hit-parades britanniques et connaît un bon succès. Malgré une qualité altérée par les cris du public, le disque est considéré comme un précieux témoignage des prestations des Beatles en concert, aucun album live n'ayant été publié par le groupe durant son existence. Réédité dans une édition bon marché en 1984, il n'a par la suite jamais été publié officiellement sur CD. |
Rust in Peace Rust in Peace (littéralement Rouille en Paix) est le quatrième album studio du groupe américain de heavy metal Megadeth, sorti le . Il s'agit du troisième album du groupe à être distribué par Capitol Records et le premier sur lequel jouent, après l'expulsion de Jeff Young et de Chuck Behler en 1989, le guitariste Marty Friedman et le batteur Nick Menza. C'est un album de neuf titres. Les paroles sont toutes plus ou moins inspirées de scénarios de catastrophes nucléaires, de guerres, de religions, et plus généralement, d'éléments tirés de la littérature fantasy. Les deux singles émis avant la sortie de l'album, Hangar 18 et Holy Wars... The Punishment Due, sont devenus des classiques du groupe qui les interprète à chacun de ses concerts. Rust in Peace reçoit un accueil critique très favorable, ayant largement contribué à faire de Megadeth un des principaux groupes de la scène metal. L'album est proposé pour la meilleure prestation metal aux 33e Grammy Awards, tout comme Hangar 18 qui est proposé pour la 34e édition. Il apparaît d'ailleurs dans la liste des 1001 albums qu'il faut avoir écoutés dans sa vie. Enfin, il s'agit également du premier album de Megadeth sans points de suspension dans le titre. |
American Idiot American Idiot est le septième album studio du groupe américain de punk rock Green Day, sorti le sur le label Reprise Records. Le groupe construit cet album comme un opéra-rock qui retrace des épisodes de la vie de Jesus of Suburbia, antihéros imaginé par le chanteur et guitariste Billie Joe Armstrong. Frustré par sa vie, il décide de quitter sa banlieue pour aller chercher une vie meilleure en ville. Confronté à la solitude, l'intolérance, la drogue ou encore le sexe, Jesus of Suburbia rencontre au cours de son périple St. Jimmy, son alter-ego représentant sa partie contestataire et destructrice, et une jeune femme nommée Whatsername dont il tombe amoureux. Ne trouvant pas en ville la vie qu'il espérait y avoir, notamment à cause du suicide de St. Jimmy et du départ de Whatsername, il décide de retourner vivre dans sa banlieue. Bien que le thème principal de l'album soit la rébellion, des questions politiques sont également abordées dans celui-ci. Sortant six semaines avant l'élection présidentielle américaine de 2004, il critique ouvertement la politique de George W. Bush (président des États-Unis de l'époque se présentant pour un second mandat) à travers ses textes, dans ses clips vidéo et jusque sur la pochette de l'album, ce qui a contribué à sa médiatisation lors de sa sortie. American Idiot reçoit de très bonnes critiques de la part des médias spécialisés et connaît un grand succès commercial, en atteignant notamment la première place des classements musicaux de dix-neuf pays, dont les États-Unis et le Royaume-Uni. L'album est récompensé à plusieurs reprises, avec entre autres le Grammy Award du meilleur album rock en 2005 et le Brit Award du meilleur album en 2006. Il est aussi classé « meilleur album des années 2000 » par les lecteurs du magazine américain Rolling Stone et fait l'objet d'une adaptation en comédie musicale dont l'essentiel des représentations a lieu à Broadway. Billie Joe Armstrong y a tenu à plusieurs reprises le rôle de St. Jimmy. Un film basé sur l'histoire d'American Idiot est actuellement en cours de réalisation par Michael Mayer, le metteur en scène de la comédie musicale. |
One by One One by One est le quatrième album studio du groupe américain de rock alternatif Foo Fighters, publié le par RCA Records. Sorti en deux éditions, l'une avec une pochette noire, l'autre avec une pochette blanche, cet album voit l'arrivée du guitariste Chris Shiflett au sein du groupe. La production de cet opus est assez agitée, puisque les premières sessions d'enregistrement sont considérées comme non satisfaisantes et des tensions naissent entre les membres du groupe. Ils décident alors de reprendre tout depuis le début dans le studio du chanteur et guitariste Dave Grohl à Alexandria en Virginie pendant deux semaines. Les chansons sont plus agressives, le son est plus lourd et les paroles plus introspectives que sur les albums précédents. D'après Dave Grohl, cela témoigne de la volonté du groupe de mettre dans un album studio l'énergie qu'ils dépensent sur scène. L'album et les singles All My Life et Times Like These sont un succès commercial, atteignant la première place des classements en Australie, en Irlande et au Royaume-Uni. Plus d'un million d'exemplaires de l'album se vendent aux États-Unis. Il reçoit de bonnes critiques, est félicité pour sa sonorité et sa production, et emporte le Grammy Award du « meilleur album rock » en 2004. Cependant, certains critiques considèrent que le travail est moins bon que sur les précédents albums et même le groupe estime désormais qu'il est plutôt mauvais dans son ensemble. |
Lennon/McCartney Lennon/McCartney (ou Lennon–McCartney) est la signature commune de John Lennon et Paul McCartney utilisée pour près de 200 chansons des Beatles écrites par l'un et/ou l'autre. Cette collaboration, qui s'étend de 1957 à 1969, compte parmi les plus prolifiques et influentes de l'histoire du rock, son succès dans celle de l'industrie discographique restant inégalé. Lennon et McCartney, alors âgés respectivement de 16 et 15 ans, se rencontrent en juillet 1957 et, rapidement, composent ensemble, affinant progressivement leur technique jusqu'à prétendre avoir déjà écrit plus d'une centaine de chansons à l'orée de la carrière discographique des Beatles en 1962. D'un commun accord, ils décident de créditer toutes leurs compositions à leurs deux noms, quel qu'en soit le principal auteur. L'habileté du tandem à écrire des chansons apparemment très simples mais innovantes et créatives explique la popularité presque instantanée des Beatles. Seulement un an après les débuts du groupe sur le label Parlophone, les chansons du duo sont considérées comme des valeurs sûres. Les deux partenaires, conscients de leur succès, y font allusion lors d'une interview : à la question « Vous repreniez autrefois des standards du rock, pourquoi ne le faites-vous plus ? », ils répondent du tac au tac : « Parce que, maintenant, nous en créons ! » Au fil du temps et des expériences vécues, l'écriture du tandem évolue : leur œuvre s'approfondit et s'enrichit de nombreux éléments, sans même que la cadence de travail ne ralentisse. De 1965 à 1967, défilent l'un après l'autre les albums Help!, Rubber Soul, Revolver, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band et la bande originale de Magical Mystery Tour, qui confortent les Beatles dans leur position de premier plan sur la scène musicale d'alors. Après les frasques et les innovations de Sgt. Pepper et Magical Mystery Tour en matière de composition et d'instrumentation, le groupe effectue un retour aux sources et publie en 1968 un album plus dépouillé, intitulé simplement The Beatles et connu sous le nom d'« album blanc ». L'individualisme de chaque Beatle, Lennon et McCartney compris, est plus marqué malgré le maintien de la signature commune. Des tensions apparaissent au sein du groupe, qui produit deux derniers albums en 1969, Let It Be et Abbey Road, dans une ambiance plus difficile. Ce dernier est toutefois acclamé comme l'un de leurs meilleurs albums et atteint de nouveaux sommets de vente. Longtemps après leur séparation, John Lennon et Paul McCartney se sont livrés chacun de leur côté au jeu du « qui a fait quoi ? » sur toutes ces chansons co-signées, se montrant globalement d'accord, sauf à de très rares exceptions, sur ce qui a été composé à 100 % par l'un ou l'autre, à 80–20 %, à 60–40 % ou à 50–50 %. L'assassinat de John Lennon en 1980 a mis fin à une possible reformation des Beatles et du duo, tandis que leur œuvre continue à inspirer les artistes des époques suivantes. |
The Stranglers Les Stranglers sont un groupe de rock britannique, né en 1974 à Guildford (Surrey). Apparus un peu avant la première vague punk à laquelle ils ont été associés, ils sont formés à l'origine de Jet Black (batterie), Jean-Jacques "JJ" Burnel (basse, chant), Hugh Cornwell (guitare, chant) et Dave Greenfield (claviers, chant). Dans cette formation, le groupe a existé pendant seize ans avant de connaître le départ d'un de ses membres fondateurs, Hugh Cornwell. En tant que guitariste, il a été remplacé deux fois : en 1990, par John Ellis et en 2000, par Baz Warne. Un chanteur, Paul Roberts, s'est ajouté à la formation entre 1990 et 2006, prenant en charge les parties vocales que se partageaient jusque-là Hugh Cornwell, JJ Burnel et Dave Greenfield. Depuis 2006, le groupe est revenu à sa forme originelle de quatuor. Difficilement assimilables à un style musical, les Stranglers ont évolué d'album en album, passant par le rock, le post-punk, le rock électronique, la new wave et le pop rock avec des incursions dans le jazz, le reggae, la soul ou encore le rhythm 'n' blues. Leur son est caractérisé par la basse à la fois mélodique et agressive de JJ Burnel et par les rapides arpèges de Dave Greenfield jouées indifféremment sur orgue Hammond, synthés, piano ou clavecin. Sur scène et en studio, les Stranglers, ou du moins leur première formation jusqu'en 1990, se sont également distingués par un humour provocateur et pas toujours très bien compris. Groupe très populaire en Grande-Bretagne, ils sont parvenus à y classer vingt-trois singles et dix-sept albums dans le top 40. En France, c'est JJ Burnel, né à Londres de parents français, qui a fait et qui continue à faire le lien avec le public. Les Stranglers sont entrés en 2004 dans leur quatrième décennie d'existence, ce qui en fait un des groupes les plus endurants de la scène rock et le seul issu du mouvement punk à n'avoir jamais cessé d'exister. S'aventurant souvent en dehors des trois minutes de rigueur durant le punk, cherchant de nouvelles voies, ils ont défriché le terrain pour beaucoup d'autres groupes de la fin des années 1970 jusqu'à aujourd'hui. |
Alan Stivell Alan Stivell, né le à Riom, est un auteur-compositeur-interprète et musicien français qui milite pour la reconnaissance culturelle, linguistique et politique de la Bretagne. Chanteur, il est aussi multi-instrumentiste : bombarde, cornemuse écossaise, whistles, synthétiseurs et surtout harpe celtique. Avec la première harpe néo-celtique construite par son père, originaire de Gourin, il contribue à la renaissance de cet instrument et de la musique bretonne moderne. Héritier du premier renouveau musical breton avec la création des bagadoù, inspiré par le folk-song et le rock anglo-saxons, il nourrit le mouvement folk des années 1960. Sa personnalité et son travail ont joué un rôle majeur dans la popularisation de la musique celtique en Bretagne et dans le monde : il est en grande partie à l'origine de ce mouvement de renouveau des années 1970, notamment grâce à l'électrification de cette musique et par sa conceptualisation. Alan Stivell se rend ainsi célèbre par ses arrangements dans le répertoire traditionnel, même si l'autre partie de son œuvre est la création de nouveaux morceaux. Reconnu aux États-Unis et au Canada en tant que harpiste new age, il réalise plusieurs tournées internationales. Il influence le sursaut que connaît la langue bretonne et la fierté du peuple breton. Il ouvre la voie à d'autres groupes ou artistes, suscite des vocations chez les jeunes, les luthiers, les enseignants et devient un modèle pour d'autres cultures. Il interprète majoritairement des paroles en langue bretonne, mais aussi dans d'autres langues celtiques, en français et en anglais. À la suite de son père, il élabore des prototypes de harpes électriques. Son œuvre musicale s'enrichit d’un combat pour la reconnaissance de la culture bretonne et celtique et transmet des messages humanistes de fraternité au-delà des frontières. Cet esprit d'ouverture se traduit dès ses débuts par des métissages culturels et des fusions musicales, ce qui en fait l'un des précurseurs de la world music, qu'il définit clairement sur son premier album Reflets. La quête d'une « musique globale », dans l'espace et le temps, renforce le panceltisme et recentre la Celtie. |
Ramones (album) Ramones est le premier album studio du groupe américain de punk rock du même nom, sorti le par Sire Records aux États-Unis et au Royaume-Uni et par Philips Records en Europe et au Japon. Repérés début 1975 par la rédactrice de magazines musicaux Lisa Robinson sur la scène du club new-yorkais CBGB et gérés par l'ancien manager des Stooges Danny Fields, ils produisent une première démo la même année afin de signer leur premier contrat auprès du label Sire Records. Avec un budget de 6 400 $, ils enregistrent en cinq jours leur premier album avec le producteur Craig Leon au studio Plaza de New York au mois de février 1976, se servant de techniques d'enregistrement en studio similaires à celles des Beatles (utilisation de canaux en stéréo, re-recording et doublement de voix), en les exagérant. Abordant des thèmes comme le nazisme, la violence, la prostitution masculine, la drogue ou encore l'amour avec dérision et sarcasme, les Ramones sont considérés comme ayant popularisé la culture punk rock avec une musique minimaliste et rapide sur trois accords. L'album influence de nombreux groupes comme les Sex Pistols et le Clash, mais aussi des genres musicaux tels que le heavy metal, le thrash metal, l'indie pop, le grunge et le post-punk, bien que son succès soit resté assez confidentiel à sa sortie avec seulement une 111e place au Billboard 200. Rejeté ou incompris sur le moment par la critique, il est malgré tout classé 33e parmi les « 500 plus grands albums de tous les temps » du magazine Rolling Stone et figure régulièrement dans les premières positions de nombreuses listes des albums les plus influents du rock et du punk. La pochette en noir et blanc, sur laquelle les quatre membres du groupe sont adossés à un mur en brique, inspire par la suite de nombreuses couvertures d'albums des Ramones. Elle est aussi un modèle du genre, se classant 58e des « 100 meilleures pochettes d'album » du magazine Rolling Stone en 1991. |
Tournées américaines des Beatles en 1964 Les deux tournées américaines des Beatles en 1964 sont les deux premières tournées du groupe anglais aux États-Unis et au Canada. Alors que les artistes britanniques populaires peinent à s'exporter aux États-Unis, les Beatles parviennent à s'y imposer dès leur première visite, en . Aidé par une importante campagne publicitaire menée par Capitol Records, le groupe attire les foules et apporte avec lui la Beatlemania. Durant ces deux semaines aux États-Unis, les Beatles se produisent à deux reprises au Ed Sullivan Show où ils pulvérisent les records d'audiences télévisuelles, et donnent des concerts dans des salles prestigieuses de New York, Washington et Miami. Si la presse, notamment new-yorkaise, peut se montrer critique et dubitative, ce premier passage du groupe en sol américain renforce ses ventes de disques et assoit sa domination des hit-parades américains. La seconde tournée, bien plus importante, s’étale sur une période d’un mois, en août et . Très longue et harassante pour le groupe, elle comprend une trentaine de dates et nécessite une logistique importante, surtout de la part des autorités locales qui doivent veiller à éviter les débordements des fans. La tournée est ainsi émaillée de nombreux incidents et déclenche quelques controverses, notamment au sujet de l'hystérie dont font preuve les admirateurs du groupe. Malgré tout, cette tournée confirme le succès des Beatles en Amérique du Nord, attirant en tout un public d’environ 360 000 spectateurs. L'ensemble de ces évènements fait d'eux les initiateurs de la British Invasion. |
Red Cardell Red Cardell est un groupe musical français issu de la scène rock indépendante en Bretagne, fondé en 1992 à Quimper par Jean-Pierre Riou (chant, guitares), Jean-Michel Moal (accordéon) et Ian Proërer (batterie). Après le départ de ce dernier en 2001, Manu Masko devient le batteur du groupe jusqu'en 2015. À partir de 2006 et l'album Naître, des musiciens devenus proches au fil des rencontres sont régulièrement invités, le trio devenant ainsi un collectif. En 2011 la formation intègre Mathieu Péquériau (harmonica, washboard) comme nouveau membre quelques mois avant que Jean-Michel Moal se mette en retrait du groupe à la suite d'ennuis de santé. De 2012 à 2015, ils sont rejoints sur scène par deux musiciens additionnels : Ronan Le Bars (cornemuse, flûtes) et Pierre Stéphan (violon) ou se produisent dans un spectacle commun avec le Bagad Kemper. En parallèle les cinq membres de l'équipe participent à l'ensemble The Celtic Social Club dans la même période. En décembre 2015, Jean-Pierre Riou et Jean-Michel Moal, co-fondateurs du groupe en 1992, se retrouvent après quatre années de séparation. Ils sont accompagnés pour ce nouveau collectif par le multi-instrumentiste Pierre Sangra, un proche depuis l’album Naître, et le batteur Hibu Corbel. Considéré par la critique musicale comme l'un des meilleurs groupes breton de son temps, Red Cardell apparaît comme un des piliers du rock celtique, enraciné et novateur à l'instar d'Alan Stivell et Dan Ar Braz, ayant réussi à concilier musiques actuelles et musiques traditionnelles. Le collectif, qui revendique être né du rock alternatif, tout en affirmant sa culture bretonne, croise depuis toujours ses influences et se définit comme un groupe de musique populaire, ouvert sur le monde. Le groupe finistérien dont le parcours est jalonné de dix-huit albums dont cinq enregistrés en public, est essentiellement une formation scénique, dans l'esprit des jam bands, avec près de deux mille concerts depuis ses débuts, à travers toute l'Europe et la Côte Est américaine. Le succès commercial de Red Cardell n'est cependant pas comparable à celui d'artistes en contrat avec une des majors de l'industrie musicale. Néanmoins le groupe signé par des labels indépendants depuis des débuts, dont Coop Breizh et Keltia Musique, est suivi par un public fidèle et reçoit également une reconnaissance professionnelle : il obtient des récompenses pour quatre de ses albums, des critiques élogieuses de la part de journalistes spécialisés, participe à des « grands événements » qui représentent la Bretagne, est accueilli en création par des scènes nationales ou conventionnées et bénéficie du soutien de la première marque internationale d'instruments de musique.
|
Sepultura Sepultura (littéralement « tombeau » en portugais) est un groupe de metal brésilien fondé par Max et Igor Cavalera en 1984, à Belo Horizonte. Le groupe est l'un des plus influents du thrash, death et groove metal de la fin des années 1980 et du début des années 1990. Il a ensuite évolué vers le hardcore, en incorporant des éléments provenant du nu metal, du metal alternatif et du metal industriel. Le fondateur et pilier du groupe Max Cavalera quitte brutalement le groupe en 1996, à la suite de désaccords personnels, et fonde Soulfly. Son frère Igor, batteur, fait de même en 2006 et rejoint son frère dans une nouvelle formation nommée Cavalera Conspiracy. Les membres actuels sont Paulo Jr. à la basse — seul musicien présent dans Sepultura depuis ses débuts —, Andreas Kisser à la guitare, Eloy Casagrande à la batterie, et Derrick Green — unique membre non brésilien — au chant. Formé dans un contexte de répression policière qui marquait les dernières heures de la dictature militaire, Sepultura a connu un succès international à la fin des années 1980 dans un style proche du thrash metal, participant ainsi à la popularisation de ce genre aux États-Unis et en Europe, puis a évolué vers le groove metal dans ses trois albums emblématiques que sont Arise (1991), Chaos A.D. (1993) et Roots (1996). Le groupe a réalisé en tout douze albums studio — le plus récent étant Kairos, sorti en 2011 — qui se sont écoulés à plus de 3 millions d'exemplaires aux États-Unis et 20 millions d'exemplaires dans le monde. |
John Lennon John Winston Ono Lennon MBE (né John Winston Lennon le à Liverpool, et mort assassiné le à New York) est un musicien, auteur-compositeur, chanteur et écrivain britannique. Il est le fondateur des Beatles, groupe musical anglais au succès planétaire depuis sa formation au début des années 1960. Au sein des Beatles, il forme avec Paul McCartney l’un des tandems d’auteurs-compositeurs les plus influents et prolifiques de l’histoire du rock, donnant naissance à plus de 200 chansons. Adolescent, influencé par ses idoles américaines du rock 'n' roll, il est emporté par la vague de musique skiffle qui sévit à Liverpool et fonde en 1956 le groupe des Quarrymen, qui évoluent pour devenir, avec Paul McCartney, George Harrison et Ringo Starr, les Beatles. De Please Please Me en 1963, à Let It Be en 1970, les Beatles deviennent un des plus grands phénomènes de l’histoire de l’industrie discographique, introduisant de nombreuses innovations musicales et mélangeant les genres et les influences. Lennon occupe une place centrale dans cette réussite populaire, critique et commerciale, composant une bonne partie des succès du groupe. Les dissensions entre les musiciens, en particulier entre Lennon et McCartney, mettent fin à l’aventure en 1970. Lorsque les Beatles se séparent, John Lennon se consacre à sa carrière solo, épaulé et inspiré par sa femme Yoko Ono, artiste japonaise d’avant-garde. Ono et Lennon forment alors un des couples les plus médiatisés du monde, aussi bien pour leur musique que pour leur engagement politique. Ils créent le Plastic Ono Band, groupe à géométrie variable où ils sont accompagnés d’amis sur scène et en studio. En 1971, John Lennon compose l’une de ses chansons les plus emblématiques, Imagine ; l’album du même nom est également son plus grand succès commercial en solo. Lennon se retire de toute activité publique en 1975 pour s’occuper de son fils nouveau-né Sean, puis reprend sa carrière en 1980, quelques semaines avant d’être assassiné par Mark David Chapman, devant sa résidence du Dakota Building à New York. Outre sa musique, Lennon est également célèbre pour ses nombreuses prises de positions, notamment pacifistes, à partir de la fin des années 1960. Ses activités et son engagement, notamment contre la guerre du Viêt Nam, lui valent des ennuis réguliers avec le gouvernement des États-Unis, qui tente de l’expulser. Personnalité complexe, il fait preuve d’un humour acerbe, teinté d’absurde et de non-sens, et se démarque également par son caractère parfois violent et conflictuel, en contradiction avec son image de représentant de l’idéal pacifiste. Il montre des talents dans les domaines de la peinture et de l’écriture, joue dans plusieurs films, et réalise des courts-métrages expérimentaux. Trente ans après sa mort, il est l’un des artistes les plus populaires du XXe siècle et incarne le mouvement pacifiste peace and love des années 1960 et 1970. Un rassemblement à sa mémoire continue d’avoir lieu à New York chaque 8 décembre, date de sa mort, et plusieurs mémoriaux sont érigés en son honneur à travers le monde. |
Ringo Starr.jpg) Richard Starkey MBE (né le à Liverpool), connu sous le nom de Ringo Starr, est un musicien, chanteur, auteur-compositeur et acteur britannique, membre le plus âgé des Beatles, dont il est le batteur de 1962 à leur séparation en 1970. Il est considéré par plusieurs musiciens dont les trois autres Beatles, et par le public comme un des meilleurs batteurs de l'histoire du rock. L'excellence de sa tenue de tempo comme la façon dont il a su se couler dans la musique de plus en plus complexe du groupe ont fait sa réputation, bien que son jeu ait parfois été sous-estimé pour son apparent manque de technicité. Son enfance est ponctuée de maladies sévères qui nuisent fortement à son éducation. En 1957, alors que Liverpool connaît un fort engouement pour la musique skiffle, il entre comme batteur dans son premier groupe, puis rejoint en 1959 Rory Storm and The Hurricanes, avec lesquels il gagne une certaine expérience de la scène. En 1962, il est finalement appelé par les Beatles pour remplacer Pete Best et démarrer avec eux la carrière discographique qui les mène à une des plus importantes réussites artistiques et commerciales de l'histoire de la musique populaire du XXe siècle. Au sein du groupe, il se voit attribuer quelques chansons adaptées à son timbre vocal, notamment les célèbres Yellow Submarine et With a Little Help from My Friends. Outre la batterie, il lui arrive également d'avoir recours à d'autres instruments de percussion. Il s'essaie également à la composition et interprète, au sein des Beatles, deux chansons de son cru, Don't Pass Me By et Octopus's Garden. De plus, ses lapsus et erreurs de langage, surnommés « ringoïsmes » par John Lennon, sont parfois à l'origine des titres d'œuvres du groupe comme A Hard Day's Night (une chanson, un album et un film) ou encore Tomorrow Never Knows. Très populaire, il se fait apprécier des autres membres du groupe par son humour et sa gentillesse. Dans les films des Beatles, il montre également un certain talent d'acteur. Après la séparation des Beatles en 1970, il se lance dans une carrière solo en enregistrant plusieurs albums. Il parvient même à faire participer ses trois anciens partenaires sur son album Ringo, et ceux-ci lui composent à l'occasion des chansons. Il connaît une période de vide dans les années 1980, et sombre un temps dans l'alcoolisme avant de signer son retour en 1989 avec son « All-Starr Band ». Il continue, depuis, à faire des tournées avec ce groupe à la composition variable et à publier des albums live et en studio au succès mitigé. Il s'implique également au cinéma et apparaît dans plusieurs films. Il épouse par ailleurs une ex-James Bond girl, Barbara Bach en 1981, après un premier mariage avec Maureen Cox, dont il a eu plusieurs enfants, parmi lesquels le batteur Zak Starkey. |
A Hard Day's Night (album)A Hard Day's Night est le troisième album des Beatles, paru le en Grande-Bretagne, sur le label Parlophone, en tant que bande originale de leur premier film, qui porte le même nom (Quatre garçons dans le vent en version francophone). Seules les chansons de la face A du disque figurent dans le long-métrage, bien que certaines de la face B aient été également composées à cet usage. L'album sort le 26 juin aux États-Unis, édité par United Artists, avec une légère différence dans la liste des chansons. Il est enregistré dans la première partie de l'année 1964, alors que les Beatles passent du statut de vedettes dans leur propre pays, où la Beatlemania a pris naissance quelques mois plus tôt, à celui de superstars mondiales. Puisqu'un film mettant en scène cet incroyable phénomène, qui emporte toute la génération des baby boomers, est en préparation, Paul McCartney et surtout John Lennon doivent pour la première fois « composer sur commande ». Ils écrivent toutes les chansons de cet album, qui est donc le premier des Beatles à ne comporter aucune reprise, et qui reste le seul intégralement signé Lennon/McCartney. Le titre de l'album et du film provient d'un accident de langage de Ringo Starr (« Ce fut une dure journée… de nuit », ou « Ce fut la nuit d'une dure journée »), que John Lennon avait déjà utilisé dans son livre In His Own Write. Ce troisième 33 tours du groupe en l'espace de dix-huit mois se distingue notamment par le son de la guitare électrique à douze cordes employée ici pour la première fois par George Harrison. De janvier à juin 1964, au milieu d'un inimaginable tourbillon qui les voit notamment conquérir l'Amérique, les Fab Four réalisent donc un album qui passe 21 semaines en tête du hit-parade britannique, et 14 semaines à la première place des classements aux États-Unis (où les chansons de l'album original sont réparties sur deux publications, A Hard Day's Night et Something New, distribuées respectivement par United Artists et Capitol). Deux singles et deux EP sont également publiés et connaissent un destin identique des deux côtés de l'Atlantique, tandis que le film, qui est à l'affiche dans le même temps, connaît un succès international. |
Beatles for SaleBeatles for Sale est le quatrième album des Beatles, paru le au Royaume-Uni. Il est conçu alors que la Beatlemania bat son plein, dans la foulée de la sortie de l’album A Hard Day's Night. Selon la volonté du manager Brian Epstein et du producteur George Martin, le groupe doit, à cette époque, respecter un rythme de deux albums par an, celui-ci devant paraître à temps pour les fêtes de fin d’année. Il est donc rapidement enregistré aux studios EMI, en sept journées de travail éparpillées entre août et octobre 1964. Les Beatles ont alors acquis une popularité planétaire, ils sont harassés par les tournées internationales, les concerts quasi quotidiens et la folie qui les entoure, ce qui se reflète notamment dans la pochette et les thèmes sombres de leurs chansons. Alors que toutes les chansons de A Hard Day's Night étaient signées Lennon/McCartney, Beatles for Sale est marqué par le retour des reprises de rock 'n' roll. Pressés par le temps, littéralement poussés vers les studios, les Fab Four enregistrent ici ce qui constitue leur répertoire de scène du moment, incluant six reprises et huit chansons originales, nouvellement composées ou plus anciennes. L’album innove cependant dans plusieurs sens, avec des chansons plus personnelles de la part de John Lennon, et le recours plus fréquent à des techniques de studio pour peaufiner les enregistrements. En Grande-Bretagne, Beatles for Sale passe sept semaines en première place des hit-parades, délogeant A Hard Day's Night du sommet, et reste quarante-six semaines en tout dans les classements. Il ne paraît pas sous cette forme aux États-Unis : onze jours après la version britannique, il est édité par Capitol Records avec une pochette, une liste de chansons et un nom différents, Beatles '65. De plus, certains titres n’apparaissent que sur l’album suivant, Beatles VI. Ce qui n'empêchera pas les deux albums, sortis à un mois d'intervalle, de rester à la première place du Billboard, pendant plusieurs semaines de suite. |
Gone TroppoGone Troppo est le huitième album studio de George Harrison, publié en novembre 1982. Il fait suite à la sortie, un an plus tôt, de l'album Somewhere in England, au succès mitigé, et qui avait été fortement modifié à la demande des distributeurs de Warner Bros. Records, au grand dam du musicien. Dépité par cette intervention dans son travail, et désireux de finir son contrat pour pouvoir prendre de la distance avec un monde musical dans lequel il se reconnaît peu, Harrison enregistre cet album de façon assez négligée, au printemps 1982, avec quelques amis, dans son studio personnel de Friar Park. Sorti sans aucune promotion ou presque, l'album est, par ailleurs, handicapé par une pochette souvent jugée laide, patchwork de photos qui contient même une recette de fabrication de ciment. Il se dégage de cette pochette et du texte de certaines chansons une impression de laisser-aller et d'envie de vacances imminentes. Harrison y exprime également son dépit vis-à-vis du monde actuel et sa propre passivité, ainsi que certains constats sur la façon dont sa musique est perçue. De façon générale, l'album est assez mal perçu par les quelques critiques qui s'intéressent à lui. Le public l'ignore, et, avec une absence totale des charts britanniques et une 108e place aux États-Unis, c'est le plus grand échec de l'ex-Beatles au sein de sa discographie en studio. Après ce disque, libéré de toute contrainte et devant l'accueil très froid qui lui est réservé, George Harrison se retire pour cinq ans des studios d'enregistrement. Par la suite, cependant, plusieurs des chansons qui sont issues de Gone Troppo trouvent leur place sur une compilation, et l'une d'entre elles est même interprétée durant le Concert for George en 2002 en hommage à son auteur. Le disque est, quant à lui, réédité en 2004 au sein d'un coffret retraçant cette période de la carrière du musicien. |
Help! (album) Help! est le cinquième album des Beatles, paru le au Royaume-Uni, et une semaine plus tard aux États-Unis. Il est préparé dans le cadre d'un deuxième film les mettant en vedette, également nommé Help!. Les Fab Four l'enregistrent au cours de plusieurs sessions réparties entre les concerts et les tournages, entre février et juin 1965. Ils se tournent de plus en plus vers le travail en studio, y répétant directement les nouveaux titres en les enregistrant, multipliant les overdubs, approchant de nouveaux sons et de nouveaux instruments sur le chemin qui mène, plus tard dans l'année, à Rubber Soul, étape majeure de leur carrière discographique. Avec cet album, les Beatles entrent de plain-pied dans la musique pop. La face A de Help! comprend les chansons composées pour le film, notamment la chanson éponyme et Ticket to Ride, parues en single. L'autre face contient, pour sa part, sept chansons absentes du long-métrage, dont les deux dernières reprises officiellement mises en boîte par le groupe, et Yesterday, enregistrée par Paul McCartney, seul avec sa guitare et un quatuor à cordes, produisant un des plus grands succès de l'histoire de la musique. L'album connaît un important succès critique et commercial, trônant neuf semaines en tête des hit-parades britanniques, après y être entré directement à la première place le jour de sa publication, avant de se maintenir quarante et une semaines dans les classements. La version publiée aux États-Unis, désapprouvée par les Beatles, est nettement différente ; elle ne comprend, en effet, que les chansons de la face A, intercalées entre des morceaux instrumentaux issus du film. Les autres chansons de l'album britannique se retrouvent sur les albums américains Beatles VI, Rubber Soul et Yesterday and Today. Les titres de Help! sont donc répartis sur quatre disques, qui sont autant de no 1 sur le marché américain. |
Let It Be (album)Let It Be est le douzième et dernier album original publié par les Beatles, paru le au Royaume-Uni, et dix jours plus tard aux États-Unis. Au moment de sa sortie, le groupe est déjà officiellement séparé, depuis une annonce faite par Paul McCartney le 10 avril. Les chansons présentes sur ce disque ont été enregistrées plus d’un an avant leur parution, l’essentiel étant mis en boîte en janvier 1969, avant la réalisation de l’album Abbey Road, publié en septembre 1969. Pour cette raison, Let It Be n’est pas considéré comme l’ultime album des Beatles, puisqu’il n’est pas le dernier enregistré. L’album, supposé paraître à l’été 1969 sous le titre Get Back, est conçu au départ comme un retour aux sources : quatre musiciens jouant du rock dans des conditions live. De plus, le tout doit déboucher sur un film. Mais les difficultés, qu’elles soient d’ordre relationnel ou logistique, s’accumulent durant sa réalisation. Insatisfaits du résultat, les Beatles abandonnent le projet. Hormis trois chansons issues de ces sessions — Get Back, Don't Let Me Down et Let It Be — publiées en single, les kilomètres de bandes enregistrées en un mois sont, dans un premier temps, rangées au placard, avant qu'Allen Klein, le nouveau manager du groupe, ne décide de les confier au producteur américain Phil Spector, sans consulter Paul McCartney. En mars 1970, Spector post-produit toutes les chansons à sa manière, rejette Don't Let Me Down de la liste, et le disque paraît finalement en mai sous le nom de Let It Be, en même temps que le film du même nom. Ce dernier album officiel des Beatles est initialement commercialisé sous la forme d’un coffret incluant le disque vinyle et un livre. L’album seul n’est disponible qu’en novembre. Il bat tous les records de pré-commandes avant parution aux États-Unis. Let It Be est le seul album du groupe, avec A Hard Day's Night, sur lequel Ringo Starr ne chante pas. C’est, par ailleurs, l’unique œuvre des Beatles où George Martin, quoique présent au début du projet, n’est pas crédité en tant que producteur. Quant au travail de Phil Spector, il est sujet à controverse, et entraîne, 33 ans plus tard et sous l’impulsion de Paul McCartney, la publication d’une version « déspectorisée » : Let It Be… Naked. |
London CallingLondon Calling est le troisième album du groupe britannique The Clash, édité par CBS Records et sorti le au Royaume-Uni puis en janvier 1980 aux États-Unis sous le label Epic Records. Album rock de référence, ce disque polyvalent mêle de nombreux styles : rock 'n' roll, ska, reggae, pop, rap, soul, punk, new wave. Les thèmes abordés et dénoncés à travers les morceaux sont le chômage, la consommation de drogues, les conflits raciaux, la politique ainsi que les responsabilités des adultes dans la société. Avec ce double album, le groupe souhaite alors marquer sa différence avec le reste du mouvement punk qu'il juge sur le déclin. Vendu à près de deux millions d'exemplaires dans le monde, l'album est certifié disque de platine aux États-Unis et permet aux Clash de sortir du microcosme punk. |
Please Please Me (album)Please Please Me est le premier album des Beatles, paru le au Royaume-Uni. Sa publication accompagne les débuts de la Beatlemania, après la sortie des deux premiers singles du groupe, Love Me Do en septembre 1962, suivi quatre mois plus tard de leur premier succès au sommet des hit-parades, la chanson Please Please Me. Outre les quatre titres figurant sur ces singles, l'album contient dix chansons enregistrées le aux studios EMI d'Abbey Road, lors d'une session d'enregistrement « marathon » de 585 minutes, dans des conditions relevant du direct. L'album est composé de huit chansons écrites par John Lennon et Paul McCartney, et de six reprises de standards appréciés des membres du groupe et faisant partie de leur répertoire scénique. Si la plupart des chansons sont chantées par Lennon et McCartney, seuls ou en duo, George Harrison participe aux chœurs et prête sa voix sur deux morceaux, tandis que Ringo Starr en interprète également une. Les quatorze titres sont typiques du répertoire que le groupe joue alors depuis plusieurs années dans les clubs de Liverpool et de Hambourg. La pochette est illustrée d'une photographie des quatre musiciens prise dans la cage d'escaliers du siège de la compagnie EMI à Londres, parodiée par le groupe lui-même six ans plus tard. À partir de la sortie de Please Please Me, les Beatles ne cessent de monter en popularité, en Grande-Bretagne d'abord, aux États-Unis ensuite, puis dans le monde entier. L'album s'installe pour plus de sept mois à la première place des hit-parades britanniques. S'il n'est pas l'album du groupe le plus apprécié par la critique, ni celui qui s'est le mieux vendu, il conserve un statut particulier dans leur discographie pour son authenticité, sa fraîcheur et son rôle de précurseur. |
All You Need Is Love.jpg) All You Need Is Love est une chanson des Beatles écrite par John Lennon mais créditée à Lennon/McCartney. La chanson est composée et enregistrée dans le cadre de la participation du groupe à Our World, la première émission en mondovision – c’est-à-dire diffusée en direct par satellite dans le monde entier – de l’histoire, le , pour une audience dont l'estimation varie de 400 à 700 millions de téléspectateurs. Les Beatles, choisis pour représenter la Grande-Bretagne lors de cet événement télévisé organisé par la BBC, interprètent All You Need Is Love en direct du studio n°1 d’Abbey Road, et sortent dans la foulée un single, publié le au Royaume-Uni et dix jours plus tard aux États-Unis, qui se classe numéro un dans de nombreux pays. All You Need Is Love est une des chansons les plus connues et symboliques de la carrière des Beatles, et devient durablement l’hymne du Flower Power. Elle sera également toujours associée à John Lennon, son auteur, qui n’a pas cessé, jusqu’à sa mort, de promouvoir son message sous toutes les formes possibles. Dans le contexte de sa publication en 1967 – notamment la guerre du Viêt Nam qui fait rage –, la chanson, qui insiste sur les idéaux d’amour, de paix et d’unité véhiculés par la contre-culture, accompagne l'essor du mouvement hippie, et devient la bande sonore du Summer of Love californien. Sa carrière se poursuit depuis plus de quarante ans, ayant notamment été interprétée simultanément dans 156 pays le dans le cadre d’une campagne contre le sida en Afrique. |
Baby, You're a Rich Man Baby, You're a Rich Man est une chanson des Beatles. Préparée dans la foulée immédiate des sessions de l'album Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, elle est issue d'un collage de deux ébauches : les couplets composés par John Lennon (commençant par la phrase « How does it feel to be one of the Beautiful People? », qu'il adresse au mouvement hippie), jumelés à l'entêtant refrain « Baby, you're a rich man », signé Paul McCartney. Enregistrée le aux studios Olympic de Londres, elle est la toute première chanson complètement réalisée par le groupe hors des studios EMI d'Abbey Road. La chanson paraît en juillet 1967 en face B du single All You Need Is Love, qui se classe en tête des hit-parades des deux côtés de l'océan Atlantique. Elle apparaît ensuite sur la version américaine de l'album Magical Mystery Tour, qui devient finalement la version officielle du disque. Elle fait, enfin, partie de la bande-son du dessin animé Yellow Submarine, ce qui lui vaut de figurer, en 1999, sur l'album Yellow Submarine Songtrack. La chanson a fait l'objet de quelques reprises mineures. Elle a surtout été réutilisée dans le générique de fin du film The Social Network, consacré à l'ascension de Mark Zuckerberg et de son réseau social Facebook. |
Hey JudeHey Jude est une chanson des Beatles parue en single le aux États-Unis, et quatre jours plus tard au Royaume-Uni, avec Revolution de John Lennon en face B. C’est le premier disque des Beatles publié sous leur propre label, Apple Records. Composée par le seul Paul McCartney — mais créditée Lennon/McCartney —, Hey Jude était destinée à soutenir Julian Lennon, le fils de John, lors du divorce de ses parents. Musicalement, Hey Jude se distingue, après quatre couplets, par une longue coda de plus de quatre minutes (« Na na na nananana nananana Hey Jude... »), ce qui donne à ce titre une durée supérieure à sept minutes ; cette longueur inhabituelle obligea d’ailleurs les techniciens à compresser certaines parties de la chanson, pour pouvoir la faire tenir en entier sur le support d’alors, le 45 tours. À l’époque de sa sortie, Hey Jude est la plus longue chanson à atteindre la première place du hit-parade britannique, où elle s’installe durant deux semaines, et en passe seize en tout dans les classements. Elle reste également neuf semaines en tête du hit-parade américain, la plus longue durée pour un single du groupe sur ce territoire. Hey Jude est ainsi le plus gros succès mondial des Beatles en 45 tours, numéro un dans onze pays différents, notamment en Australie, au Canada, en Autriche, en Suisse, en Norvège et en France. |
Strawberry Fields Forever Strawberry Fields Forever est une chanson du groupe britannique The Beatles, parue en 1967. Écrite par John Lennon, elle est cependant créditée Lennon/McCartney, comme tous les morceaux des Beatles composés par l’un ou l’autre. Fin , Strawberry Fields Forever est la première chanson que les Beatles enregistrent pour leur prochain album, qui ne porte pas encore de nom mais qui deviendra Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. Toutefois, elle n’y figurera pas, ayant été précédemment publiée en 45 tours « double face A » avec Penny Lane de Paul McCartney. Leur manager Brian Epstein voulait en effet maintenir la popularité du groupe après une inhabituelle période de six mois sans publication inédite. Le single sort ainsi le aux États-Unis et le 17 février au Royaume-Uni. Au mois de , Strawberry Fields Forever est à nouveau publiée sur la version américaine de l’album Magical Mystery Tour. John Lennon se trouve en Andalousie, sur le tournage du film How I Won the War, lorsqu’il compose la chanson. Parti du thème de la nostalgie et de l’enfance — Strawberry Field était un orphelinat aux environs duquel il jouait étant enfant —, il en fait une chanson introspective et abstraite sur sa vision personnelle du monde qui l’entoure. L’ambiance surréaliste et onirique qui en résulte, augmentée du thème musical rappelant les effets du LSD, fait de Strawberry Fields Forever un des morceaux fondateurs du rock psychédélique. L’enregistrement de la chanson a lieu aux studios EMI de Londres et s’étale sur un mois entier. |
Tomorrow Never Knows Tomorrow Never Knows est une chanson des Beatles, parue sur l’album Revolver, le au Royaume-Uni, et le 8 août aux États-Unis. Elle a été écrite par John Lennon mais créditée Lennon/McCartney, comme toutes les chansons du groupe composées par Lennon et Paul McCartney, en collaboration ou non. Placée à la toute fin de Revolver, elle est pourtant la première à être enregistrée lors des sessions pour cet album. Par bien des aspects, ce titre révolutionnaire est une pierre de touche dans la carrière des Beatles. Il marque le début de leur période psychédélique et, par son motif rythmique obsédant, peut également être considéré comme précurseur de la musique techno. Influencé par la musique indienne et par ses expériences au LSD, John Lennon construit cette chanson sur un seul accord, le do. C’est avec Tomorrow Never Knows que le jeune Geoff Emerick effectue ses débuts en tant qu’ingénieur du son du groupe aux côtés du producteur George Martin, le , et il fait, dès le départ, preuve d’une extraordinaire inventivité, pour satisfaire aux demandes de l’auteur de la chanson comme pour améliorer les techniques de prise de son. Une série de boucles sonores réalisée par Paul McCartney est injectée en direct dans le morceau lors d’une fameuse séance de mixage, lui donnant son aspect caractéristique. |
Discographie de George HarrisonLa discographie de George Harrison contient tous les disques et publications posthumes enregistrés par l'artiste entre 1968 et sa mort, en 2001, hors des Beatles et des Traveling Wilburys. Le total comprend ainsi dix-sept albums et trente-deux singles. Dix albums studio sont publiés, dont un posthume (Brainwashed). Avec Cloud Nine, ce sont les deux seuls albums studio qu'il publie après 1982 ; auparavant, il a connu un succès public déclinant après l'immense réussite de All Things Must Pass. À ces dix albums s'ajoutent deux albums live, un album de musique expérimentale (Electronic Sound) et une bande originale de film aux sonorités indiennes (Wonderwall Music). Enfin, l'œuvre de Harrison compte quatre compilations, dont deux parues après sa mort, Let It Roll et Early Takes: Volume 1. George Harrison a également publié trente-deux singles, dont la plupart ont eu un succès très limité. Plusieurs d'entre eux ont cependant été plébiscités par le public (Give Me Love (Give Me Peace on Earth), en 1973, et Got My Mind Set on You, en 1987), et son titre phare, My Sweet Lord, lui a valu un succès international, et s'est replacé en tête des classements pour une réédition trente ans après sa sortie. |
Discographie de John LennonLa discographie de John Lennon comprend l'ensemble des disques qu'il a publiés durant sa carrière solo, de son premier album expérimental, Unfinished Music No.1: Two Virgins en 1968, à son assassinat en 1980, ainsi que tous les albums publiés à titre posthume, sous la direction de sa femme Yoko Ono, qu'ils contiennent ou non des titres inédits. Ce sont ainsi près de 25 albums (studio, en concert ou compilations) auxquels s'ajoutent une vingtaine de singles. Ces disques complètent par ailleurs tous les disques enregistrés avec les Beatles, entre 1962 et 1970. En solo, John Lennon a publié huit albums studio, de 1970 à 1984 (le dernier, Milk and Honey, étant publié à titre posthume). S'y ajoutent trois albums de musique expérimentale réalisés avec Yoko Ono en 1968 et 1969, dont le succès a été très limité. Les prestations live de Lennon durant sa carrière solo étant très rares, les albums de ce type ne sont qu'au nombre de deux : un paru de son vivant, l'autre six ans après son assassinat. Onze compilations ont également été publiées, dont une seule a vu le jour avant sa mort, Shaved Fish. Du côté des singles, vingt-et-un ont été publiés, dont huit après sa mort. Plusieurs ont atteint la première place des classements, d'un côté ou de l'autre de l'Atlantique, notamment le célèbre Imagine. Le seul à avoir été no 1 à la fois au Royaume-Uni et aux États-Unis est (Just Like) Starting Over, paru en 1980, qui a fortement profité de la nouvelle de la mort du chanteur. |
The BeatlesThe Beatles est un groupe musical britannique originaire de Liverpool. Composé de John Lennon, Paul McCartney, George Harrison et Ringo Starr, il demeure, en dépit de la séparation de ses membres en 1970, l'un des groupes de rock les plus populaires au monde. En dix ans d'existence, et seulement huit ans de carrière discographique (de 1962 à 1970), les Beatles ont sorti douze albums et ont composé plus de 200 chansons, soit en moyenne un album tous les neuf mois, productivité particulièrement remarquable dans la période 1963-1966, où, entre les tournées incessantes et la participation à deux longs métrages, ils ont publié sept albums, treize singles et douze maxis. Les chansons des Beatles ont marqué les années 1960 et les générations suivantes, et leurs mélodies ont été adaptées à de nombreux genres musicaux, notamment le jazz, la salsa, le reggae ou la musique classique (symphonique) et baroque. Au XXIe siècle, le groupe jouit toujours d’une grande popularité ; ses chansons sont jouées et reprises dans le monde entier. Le duo d’auteurs-compositeurs Lennon/McCartney reste célèbre comme créateur de standards qui ont fait l’objet de milliers d'adaptations dans les décennies suivantes. |
Rancid Rancid est un groupe punk rock américain, formé en 1991 à Berkeley, en Californie. Le groupe est reconnu pour avoir contribué, avec les groupes Green Day et The Offspring, à ramener le punk rock sur l'avant-scène musical aux États-Unis durant les années 1990. Le groupe est actuellement composé de Tim Armstrong et Lars Frederiksen à la guitare et au chant, de Matt Freeman à la basse et de Branden Steineckert à la batterie. Le groupe a sorti jusqu'à maintenant sept albums studio. Il s'est d'abord fait connaitre en 1994 avec l'album Let's Go et le single Salvation. En 1995 ils sortirent l'album ...And Out Come the Wolves, qui fut un grand succès commercial, avec les succès Ruby Soho, Roots Radicals et Time Bomb. Il fut certifié disque d'or, vendant plus d'un million de copies aux États-Unis. Le groupe sortit par la suite quatre autres albums, Life Won't Wait, Rancid, Indestructible et Let the Dominoes Fall, tous bien accueillis par la critique, mais ne connaissant le même succès commercial que ...And Out Come the Wolves. |
Sheryl Crow Sheryl Suzanne Crow (née le ) est une chanteuse américaine originaire de Kennett dans l’État du Missouri. Sa musique est un mélange de rock, de pop, de folk et de country. Elle a remporté depuis le début de sa carrière neuf Grammy Awards entre 1995 et 2007 tout en vendant plus de 30 millions d’albums. |
Neil Peart Neil Ellwood Peart, O.C., né le à Hamilton, Ontario est un musicien et auteur canadien. Il est principalement connu pour être le batteur et le principal parolier du groupe de rock progressif Rush. Peart rejoint Rush en 1974, en remplacement de John Rutsey. Tôt dans sa carrière, il ancre son style dans le hard rock. Son inspiration vient en grande partie des batteurs sur le devant de la scène britannique, comme Keith Moon et John Bonham. Au fur et à mesure des années, il oriente son style vers le jazz dans la lignée de Gene Krupa et Buddy Rich. Neil Peart a reçu de nombreuses récompenses pour ses performances musicales et est réputé pour ses talents techniques et son énergie. Il a aussi publié plusieurs livres au sujet de ses voyages. |
Gwen Stefani Gwen Stefani, née le à Fullerton, en Californie, est une chanteuse, auteur-compositrice-interprète et styliste américaine. Elle est principalement connue pour être membre du groupe No Doubt depuis 1986 en tant que chanteuse du groupe dont le premier album No Doubt est sorti en 1992, suivi de The Beacon Street Collection et Tragic Kingdom tous les deux sortis en 1995, puis le groupe est de retour en 2000 avec Return of Saturn suivi en 2001 de Rock Steady, qui comprend la chanson Hey Baby. En 2004, Stefani lance sa carrière solo avec son premier album Love. Angel. Music. Baby., suivi en 2006 par l'album The Sweet Escape. En 2008, Stefani réintègre le groupe No Doubt qui se reforme. En 2016, dix ans après son dernier album solo, Stefani sort This Is What the Truth Feels Like. Elle poursuit en octobre 2017 avec un album de chansons de Noël You Make It Feel Like Christmas. En 2003, elle débute dans le stylisme avec sa ligne de vêtement L.A.M.B. et étend sa collection avec en 2005 la ligne Harajuku Lovers, avec une forte inspiration de la mode et la culture japonaise. Lorsque Stefani se produit en concert, elle est accompagnée de danseuses, les Harajuku Girls. De 2002 à 2015, elle a été mariée avec le musicien grunge Gavin Rossdale, avec qui elle a trois fils. |
Zakk Wylde.JPG) Zakk Wylde, né Jeffrey Phillip Wielandt le à Bayonne (New Jersey), est un guitariste américain. Guitariste de Ozzy Osbourne de 1988 à 1995 et de 2001 à 2009, il est reconnaissable grâce à son allure de viking, son jeu rapide et son « pinch harmonique ». Guitariste et chanteur de son propre groupe de heavy metal, Black Label Society, il continue de jouer en parallèle avec Ozzy Osbourne pendant 15 ans. Son poste de guitariste est néanmoins en suspens depuis que Ozzy Osbourne a engagé Gus G. à sa place, durant l'été 2009. Figure du heavy metal américain et principal compositeur de No More Tears, l'album d'Ozzy Osbourne le plus vendu, Wylde est, durant ces dernières années, à l'origine du son actuel d'Osbourne. Ainsi est-il consacré en 2006, avec son entrée au Hollywood's RockWalk of Fame, parmi d'autres grands noms de la musique. |
Rob Zombie Rob Zombie, de son vrai nom Robert Bartleh Cummings, né le à Haverhill, dans le Massachusetts, est un chanteur et musicien de metal américain, ainsi qu'un réalisateur de films d'horreur. Après avoir formé le groupe White Zombie à la fin des années 1980 et édité six albums enregistrés en studio, il forme un nouveau groupe, Rob Zombie, et publie six albums, dont le dernier est sorti en 2016. En parallèle à sa carrière de chanteur, Zombie est aussi réalisateur, scénariste et producteur de films d'horreur, avec sept longs métrages à son actif, une fausse bande-annonce pour le projet Grindhouse des deux compères Tarantino/Rodriguez, Werewolf Women of the S.S., et un dessin animé qu'il co-réalise avec Mr. Lawrence, The Haunted World of El Superbeasto. Enfin, il est également scénariste de comics, comme notamment Rob Zombie's Spookshow International en dix volumes, et The Nail en quatre éditions. |
Abbey Road (album) Abbey Road est le onzième album du groupe britannique The Beatles, sorti le en Grande-Bretagne et le 1er octobre aux États-Unis. Produit par George Martin, il a été principalement enregistré en juillet et aux studios EMI de Londres, renommés plus tard « studios Abbey Road » suite au succès retentissant de ce disque. Souvent cité comme un des albums les mieux construits et les plus influents de tous les temps, Abbey Road est aussi un immense succès commercial : 30 millions d'exemplaires vendus dans le monde, soit la deuxième meilleure vente du groupe après Sgt. Pepper. Le disque se distingue par la présence d'un medley sur la seconde face, une pièce longue de 16 minutes, succession de huit chansons qui s'enchaînent les unes après les autres. L'album est également marqué par le guitariste George Harrison, qui propose deux de ses plus fameuses compositions avec les Beatles, Something et Here Comes the Sun, et qui popularise l'utilisation du synthétiseur (Moog) dans le rock. La pochette de l'album reste une des plus célèbres de l'histoire de la musique, représentant les Beatles traversant un passage piéton au croisement entre Grove End Road et Abbey Road, face aux studios où ils ont enregistré presque toutes leurs chansons depuis 1962… |
Electronic SoundElectronic Sound est le deuxième album solo de George Harrison, sorti en 1969, alors qu’il est encore membre des Beatles. Cet album aux tonalités expérimentales est, comme son nom l’indique, composé de « sons électroniques » joués sur un synthétiseur Moog. Sur deux longues pistes, qui occupent chacune une face du 33 tours, le musicien expérimente cet instrument qu’il a récemment découvert. La pochette est ornée d’un dessin d’enfant de Harrison.
L’album est publié sous le très éphémère Zapple, sous-label d’Apple Records consacré aux disques expérimentaux (qui ne publie qu’un autre album). Il sort en des deux côtés de l’Atlantique et connaît un accueil commercial confidentiel : il n’entre pas dans les charts britanniques et n’arrive qu’à la 191e place des classements américains. La critique est divisée concernant cet album. Il est tantôt considéré comme un poème abstrait, tantôt comme un simple test préfigurant l’utilisation plus concrète et aboutie du Moog sur l’album Abbey Road quelques mois plus tard. En 1996, l’album est réédité au format CD, mais les deux pistes sont inversées et voient leurs titres et compositeurs échangés. |
In the Court of the Crimson KingIn the Court of the Crimson King (sous-titré An Observation by King Crimson) est le premier album du groupe de rock progressif anglais King Crimson, paru le . Il s'est hissé à la 5e place des classements britanniques, à la 28e place du Billboard 200 américain et à la 1re place au Japon, y détrônant Abbey Road des Beatles.
Il est généralement considéré comme l'acte fondateur du rock progressif, repoussant les limites du rock en puisant dans le jazz et la musique classique. Dans son livre Rocking the Classics, le critique Edward Macan note que l'album « pourrait être l'album de rock progressif le plus influent jamais publié ». Pete Townshend, leader des Who, parle d'un « chef-d'œuvre de l'étrange ». |
Live in Japan (George Harrison)Live in Japan est l'avant-dernier album de George Harrison, et son deuxième album live. Il est enregistré en décembre 1991 au cours d'une tournée au Japon, rare prestation en concert de l'ex-Beatle accompagné d'Eric Clapton, Steve Ferrone, Ray Cooper ou encore Andy Fairweather-Low. Le groupe y interprète une vingtaine de chansons tirées de la carrière de Harrison, que ce soit du temps des Beatles ou provenant de ses albums en solo. L'enregistrement de ce concert est publié en juillet 1992 sous la forme d'un double album. Il s'agit du dernier disque que publie Harrison avant sa mort, neuf ans plus tard. Sorti dans une discrétion totale avec une promotion inexistante, l'album n'entre pas dans les charts britanniques, et ne monte qu'en 126e position des classements américains. Il arrive en revanche en quinzième place des charts au Japon. La critique se montre assez mitigée à son égard, certains trouvant qu'il s'agit d'une prestation honorable, d'autres la trouvant assez convenue. Avec le temps, le disque devient cependant un important témoignage des rares prestations du guitariste en concert. Il ressort en 2004 dans un coffret consacré à cette période de la carrière de Harrison, accompagné d'un DVD d'extraits du concert. |
Mellon Collie and the Infinite SadnessMellon Collie and the Infinite Sadness est le troisième album studio des Smashing Pumpkins, sorti le sous le label Virgin Records. Produit par Billy Corgan, leader du groupe, assisté de Flood et Alan Moulder, l’album se compose de deux disques, intitulés Dawn to Dusk et Twilight to Starlight. Il mêle, dans ses vingt-huit pistes, plusieurs styles musicaux : rock alternatif, pop, heavy metal, grunge, musique électronique. Presque entièrement écrit par Billy Corgan, il marque néanmoins une plus grande implication de la bassiste du groupe D’arcy Wretzky et du second guitariste James Iha. Aidé par le succès du premier single qui en est extrait, Bullet with Butterfly Wings, Mellon Collie and the Infinite Sadness est le seul album du groupe à se classer en première position au Billboard. Quatre autres singles en sont tirés : 1979, Zero, Tonight, Tonight et Thirty-Three, tous sortis tout au long de l’année 1996. Mellon Collie and the Infinite Sadness a été certifié neuf fois disque de platine par la Recording Industry Association of America. Salué par les critiques pour son ambition et sa portée, il offre au groupe sept propositions aux Grammy Awards en 1997. |
Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (album)Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band est le huitième album des Beatles, publié le en Grande-Bretagne et le jour suivant aux États-Unis. Enregistré sur une période de 129 jours, cet album est souvent considéré par les critiques comme leur plus grande œuvre et l'un des albums les plus influents de l'histoire de la musique populaire, figurant entre autres à la première place dans la liste des 500 plus grands albums de tous les temps du magazine Rolling Stone.
Par son retentissement, par la façon dont il a révolutionné l'industrie du disque, par sa durée de vie dans les hit-parades et par la force avec laquelle il a capté l'air de son temps, Sgt. Pepper reste encore à ce jour une pierre angulaire de l'histoire de la musique et de la culture populaire de la seconde moitié du XXe siècle. |
Tago MagoTago Mago est le troisième album studio du groupe allemand de rock expérimental Can, sorti en 1971 chez United Artists Records sous la forme d'un double album. C'est le premier album du groupe avec Damo Suzuki au chant, après le départ de Malcolm Mooney en 1970, pour cause de troubles mentaux. L'album a été remasterisé en 2004, incluant également les commentaires du journaliste David Stubbs (Melody Maker) et du musicien Bobby Gillespie (Primal Scream). Tago Mago a été décrit comme le meilleur album de Can, en termes de structure et de son. Depuis sa sortie, il a reçu de nombreux éloges et est souvent cité comme une influence par de nombreux artistes. AllMusic le considère comme « un des meilleurs albums de tous les temps ». |
A Day in the LifeA Day in the Life est une chanson du groupe britannique The Beatles. Elle a été écrite par John Lennon et Paul McCartney. Elle clôture l’album Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band sorti en 1967. Cette chanson est en fait un « collage » de deux morceaux inachevés, l’un de John Lennon et l’autre de Paul McCartney, le dernier morceau étant ajouté au centre de celui de Lennon. A Day in the Life est très souvent considérée comme le joyau de Sgt. Pepper, en tant que morceau le plus remarquable dans sa conception et le plus riche dans son contenu. La chanson est notable pour ses paroles surréalistes, son aspect musicalement impressionniste, ses techniques de production innovantes et son arrangement complexe incluant un crescendo d’orchestre cacophonique et partiellement improvisé. Marquée par l’atmosphère psychédélique qui règne autour de la conception de Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, A Day in the Life est aussi citée comme liée au genre rock progressif et a fortiori à l’émergence de celui-ci. |
Another Brick in the Wall Another Brick in the Wall est un des titres les plus célèbres de Pink Floyd, composé par Roger Waters autour d'un même thème musical. Les trois parties figurent sur l'album The Wall paru le . Respectivement sous-titrées Part 1, Part 2 et Part 3, ces chansons sont importantes dans le concept de l'album, puisqu'elles marquent la construction du mur derrière lequel s'enferme Pink, le personnage principal de l'album. La seconde partie est la plus connue et est la chanson la plus connue du répertoire du groupe. Elle est l'unique chanson du groupe sortie en single qui arrive en tête de classements. |
Beat It Beat It est une chanson rock de l'artiste américain Michael Jackson, tirée de l'album Thriller sorti en 1982. Écrite et composée par Jackson, coproduite par Quincy Jones, elle est le 3e single extrait de cet album. À l'origine, Jones rêve d'une chanson de rock 'n' roll aux accents de musique noire alors que Jackson n'est pas attiré par le rock. Eddie Van Halen, du groupe de hard rock Van Halen, à la demande de Quincy Jones, marque la chanson par son célèbre solo de guitare, pour lequel il ne fut d'ailleurs pas payé, « Je l'ai fait comme un service, ça me semblait normal. » Les paroles de Beat It (employé dans la chanson dans le sens « Dégage ! ») évoquent la défaite et le courage, le fait de ne jamais se laisser battre et qu'il y a d'autres moyens que la violence. À la suite des ventes excellentes des deux premiers singles de l'album Thriller, The Girl Is Mine et Billie Jean, Beat It sort le 14 février 1983 et obtient un énorme succès mondial autant commercial que critique en devenant l'un des singles les plus vendus de tous les temps. À la même période, Billie Jean et Beat It figurent toutes deux au top 5 des ventes de disques, un exploit rarement égalé par d'autres artistes. Beat It est certifié disque de platine en 1989. Le clip qui l'accompagne montre Jackson arrivant à séparer deux gangs et à les empêcher de se battre grâce au pouvoir de la danse. Beat It est récompensée à de nombreuses reprises, notamment par deux Grammy Awards, deux American Music Awards et une entrée au Music Video Producers Hall of Fame. Reprise et samplée par plusieurs artistes, elle est également utilisée pour une campagne anti-drogue. Michael Jackson reçoit pour cela une récompense du président Ronald Reagan à la Maison-Blanche. Beat It est l'une des chansons phares de Jackson et figurait dans toutes ses tournées. |
Love Me Do Love Me Do est la première chanson publiée par le groupe britannique The Beatles. Elle est sortie en single le avec P.S. I Love You en face B, figurant ensuite sur leur premier album, Please Please Me, commercialisé le . Elle a été écrite principalement par Paul McCartney, avec la collaboration de John Lennon, et est créditée « Lennon/McCartney ». Ce nom de crédit sera inversé en « McCartney/Lennon » pour le premier album du groupe, puis remis en ordre pour l’album suivant, With the Beatles. Love Me Do revêt à plusieurs titres une importance considérable dans la carrière des Beatles. C’est cette chanson qui attira l’attention de George Martin lors de leur première audition dans les studios EMI d’Abbey Road, le . C’est elle que les Beatles imposèrent à leur nouveau producteur — qui souhaitait leur faire interpréter pour leur premier 45 tours une chanson qu’ils n’avaient pas composée —, lançant ainsi leur carrière d’auteurs-compositeurs. C’est elle qui marqua leur première percée dans les charts britanniques et leurs premiers passages à la radio. C’est enfin une chanson qui fut interprétée par trois batteurs différents : Pete Best, Ringo Starr, tous deux ayant fait partie du groupe, et Andy White, un musicien de studio. |
Rain (chanson)Rain est une chanson des Beatles, principalement écrite par John Lennon avec le concours de Paul McCartney, et publiée en face B du single Paperback Writer. Le disque sort le aux États-Unis, et le 10 juin suivant au Royaume-Uni. Enregistrée durant les sessions de l’album Revolver, Rain est la première chanson à contenir des bandes inversées. Son destin de « face B » d’un 45 tours en fait un titre relativement méconnu, pourtant remarquable et reconnu comme tel. Son ambiance psychédélique, sa sonorité puissante, ses instruments ralentis, sa voix traînante, ses vocaux inversés et la technologie employée pour l’enregistrer sont en effet annonciateurs de bien des choses à venir dans la carrière du groupe, à commencer par l’album qui sera publié deux mois plus tard. |
Revolution (chanson)Revolution est une chanson des Beatles, composée par John Lennon et publiée dans deux versions différentes en 1968. La première version est enregistrée dès le premier jour des sessions de l’album The Beatles, le . Dans un style blues et lent, harmonisée et arrangée avec des cuivres, cette chanson n’est pas jugée assez commerciale pour paraître en single. Sous l’impulsion de Lennon, une autre version est donc mise en boîte en juillet, cette fois plus rapide, aux sonorités hard rock avec des guitares saturées. Revolution est commercialisée sous cette forme en face B du single Hey Jude le aux États-Unis et le 30 août au Royaume-Uni, alors que la version lente, dénommée Revolution 1, ne paraît que trois mois plus tard, sur la quatrième face de l’album dit « blanc ». Revolution est la première chanson ouvertement politique des Beatles. Elle s’inscrit dans le contexte politico-social particulièrement agité de 1968, et constitue la réponse de Lennon aux divers groupes révolutionnaires qui demandaient son soutien financier et moral. Le titre est trompeur, parce que le texte n’appelle pas à un soulèvement massif, mais plutôt à une remise en question quant à la façon de révolutionner les choses, qui devrait selon l’auteur se faire sans violence. Toutefois, Lennon a mis un certain temps pour être sûr de son idée : lorsqu’il est question de destruction, il ne s’affirme pas encore tout à fait contre dans la première version de la chanson, Revolution 1… |
Contentieux entre Apple Corps et Apple ComputerApple Corps, compagnie fondée par les Beatles, et Apple Computer Inc. (devenue Apple Inc.), entreprise d’informatique, se sont opposés entre 1978 et 2007 au cours de plusieurs différends judiciaires concernant la propriété de la marque commerciale « Apple » (pomme en anglais). Le dernier épisode en est le jugement rendu le par la Haute Cour de justice anglaise, en faveur d’Apple Computer, mais il faut attendre pour qu’un accord final soit trouvé entre les deux parties. Les Beatles créent leur compagnie Apple Corps en , composée de plusieurs divisions dont la maison de disques Apple Records. Son nom comme son logo (représentant un cultivar Granny Smith) sont un hommage au tableau de René Magritte « Ceci n'est pas une pomme » acquis par Paul McCartney. Apple Computer, quant à elle, est créée le par Steve Jobs, Steve Wozniak et Ronald Wayne, avant d’être constituée sous forme de société le . Contrairement à Apple Corps, l’origine du nom de la firme californienne est incertaine. |
Le Quatuor d'HomerLe Quatuor d'Homer (Homer's Barbershop Quartet en version originale, Homer chante en harmonie en version québécoise) est le premier épisode de la saison 5 des Simpson. Écrit par Jeff Martin et réalisé par Mark Kirkland, l'épisode met en scène les Bémols (Si Dièse en version québécoise, The Be Sharps dans la version originale), un quatuor barbershop fondé par Homer Simpson, dont l'histoire est très proche de celle des Beatles. George Harrison et David Crosby apparaissent dans leur propre rôle, et le quatuor barbershop américain des Dapper Dans joue le rôle des Bémols lorsqu'ils chantent.
L'épisode commence lorsque la famille Simpson se rend au marché aux puces. Bart et sa sœur Lisa découvrent une photo de leur père, Homer, sur la couverture d'un vieux Long play. Homer explique à sa famille que le principal Skinner, Barney Gumble, Apu Nahasapeemapetilon et lui avaient enregistré un album de barbershop en 1985 qui avait rencontré un succès national. Il raconte la formation du groupe, son apogée et sa séparation. À la fin de l'épisode, les membres du groupe se réunissent pour un concert sur le toit de la Taverne de Moe et interprètent leur hit Baby on Board. L'épisode contient de nombreuses références aux Beatles et à d'autres icônes de la culture populaire. Lors de sa première diffusion aux États-Unis, Le Quatuor d'Homer est arrivé trentième audience de la semaine, avec une note de 12,7 sur l'échelle de Nielsen. Le caméo des Beatles a été salué, même si l'épisode est une chute de la saison précédente. Les critiques qui ont reproché à l'épisode son humour inégal l'ont justifié par le changement de scénaristes avant la création de celui-ci. |
Polémique autour des propos de John Lennon sur Jésus-Christ Une polémique touche les Beatles en 1966, lorsque des propos de John Lennon sont diffusés aux États-Unis, puis dans la presse internationale. Lennon y évoque ses positions sur l'évolution du christianisme, expliquant que la religion dans les années 1960, et plus particulièrement au Royaume-Uni, n'a plus la même importance dans la vie des gens qu'auparavant, notant au passage : « Aujourd'hui, nous sommes plus populaires que Jésus ». Ces propos, à l'origine tenus à une journaliste intime de l'artiste, Maureen Cleave, et publiés dans l'Evening Standard du 4 mars 1966 (dans son article titré Comment vit un Beatle ?) vont provoquer une polémique importante : aux États-Unis, particulièrement dans les États du sud plus conservateurs, les disques du groupe sont brûlés en public par des foules d'anciens fans. Dans de nombreux pays à forte communauté chrétienne, comme le Mexique et l'Afrique du Sud, les chansons des Beatles sont interdites de diffusion radiophonique. À l'approche d'une tournée aux États-Unis, des menaces d'assassinat sont adressées à Lennon et au groupe en général, notamment de la part du Ku Klux Klan. À la demande du manager, Brian Epstein, John Lennon s'excuse finalement et tente de remettre ses propos dans leur contexte lors d'une conférence de presse, sans pour autant que les tensions ne s'apaisent. Finalement, cette polémique devient l'un des nombreux facteurs qui poussent à l'arrêt des tournées des Beatles, cette même année. John Lennon revient à plusieurs reprises sur cette malencontreuse histoire, souvent à mots voilés : il fait ainsi mention du Christ dans plusieurs de ses chansons, comme The Ballad of John and Yoko et God. Cette phrase est aussi un des motifs supposés de l'assassinat du musicien par Mark David Chapman en 1980. 41 ans après, le journal officiel du Vatican, L'Osservatore Romano, considère avec indulgence ces propos. |
John Frusciante John Anthony Frusciante, né le à Astoria (New York), est un auteur-compositeur-interprète, guitariste de rock, et producteur américain. Issu d'une famille de musiciens, John Frusciante intègre les Red Hot Chili Peppers en 1988, après la mort d'Hillel Slovak, et enregistre son premier album avec le groupe, Mother's Milk, en 1989. En 1991, la popularité du groupe explose après la sortie de l'album Blood Sugar Sex Magik. Suite à ce succès brutal, John Frusciante sombre dans l'addiction à l'héroïne et à la cocaïne. Gêné par la forte médiatisation du groupe et par son nouveau statut de rock star, il quitte une première fois les Red Hot Chili Peppers en 1992, lors d'une tournée au Japon. Après plusieurs années d’absence au sein du groupe et une cure de désintoxication, John Frusciante le réintègre pour l'enregistrement de l'album Californication, en 1999. Par la suite, Frusciante participe aux albums By the Way et Stadium Arcadium, qui apportent la consécration au groupe. Parallèlement, Frusciante mène également une carrière solo active. Il enregistre onze albums studio sous son propre nom entre 1994 et 2012, et collabore longuement avec Omar Rodríguez-López. Il fonde également le groupe Ataxia avec Joe Lally et Josh Klinghoffer. Ses compositions en solo incorporent plusieurs influences, notamment de rock expérimental, de new wave, d'electronica et d'ambient. En 2009, Frusciante annonce quitter définitivement les Red Hot Chili Peppers afin de se consacrer exclusivement à ses projets personnels ; il est remplacé par Josh Klinghoffer. En 2012, il intègre le Rock and Roll Hall of Fame en tant qu'ancien membre des Red Hot Chili Peppers. |
Nevermind Nevermind est le deuxième album studio du groupe américain de grunge Nirvana, sorti le par le label DGC Records. Kurt Cobain écrit et compose seul quasiment toutes les chansons de l'album et le groupe commence à enregistrer en avril 1990 avec le producteur Butch Vig mais la session est interrompue prématurément. Le batteur Chad Channing quitte ensuite le groupe et est remplacé par Dave Grohl. Le groupe change également de label et reprend l'enregistrement de l'album en mai 1991 avec de nouvelles chansons, dont Smells Like Teen Spirit et Come as You Are. L'album ne bénéficie pas d'une promotion particulière mais la surprenante popularité de son premier single, Smells Like Teen Spirit, fait de lui un succès commercial inattendu à la fois pour le groupe et pour le label. Il atteint notamment la première place des classements musicaux de ventes d'albums aux États-Unis, en France et au Canada et est également plébiscité par la critique. Nevermind s'est vendu depuis à plus de 30 millions d'exemplaires à travers le monde. L'album est dominé par un puissant son punk rock parsemé de mélodies pop accrocheuses et le sens des paroles des chansons est souvent difficile à interpréter. Il fait sortir de l'ombre la scène grunge de Seattle et est un facteur déterminant de la popularisation du rock alternatif dans le monde entier. Véritable phénomène des années 1990, il marque le retour des guitares saturées dans la musique pour toute la décennie et laisse sa trace sur toute une génération. En 2011, il est réédité dans une édition spéciale pour les vingt ans de sa sortie. |
Hillel Slovak Hillel Slovak (הלל סלובק en hébreu), né le 13 avril 1962 à Haïfa et mort le 25 juin 1988 à Los Angeles, est un guitariste de rock israëlo-américain. Issu d'une famille juive survivante de la Shoah, il émigre aux États-Unis avec ses parents à l'âge de cinq ans. Après un bref séjour à New York, Slovak déménage en Californie pour suivre son cursus scolaire. Il s'intéresse à la musique dès son enfance et commence à jouer de la guitare à l'âge de treize ans. Il est notamment influencé par Jimi Hendrix. Au début des années 1980, à Los Angeles, il fait la connaissance du batteur Jack Irons et fonde son premier groupe, nommé Anthym puis What Is This?. Il rencontre par la suite Anthony Kiedis et Flea avec lesquels il forme les Red Hot Chili Peppers en 1983. Il manque l'enregistrement du premier album The Red Hot Chili Peppers, souhaitant se consacrer à sa formation d'origine, What Is This?, qu'il quitte définitivement quelque temps après. Après avoir réintégré les Red Hot Chili Peppers, il enregistre deux albums avec le groupe, Freaky Styley et The Uplift Mofo Party Plan. Sa personnalité artistique a une grande influence sur l'écriture des morceaux et la musique de la formation. Durant sa carrière, Slovak développe une addiction sévère à l’héroïne. Après avoir tenté, durant plusieurs années, de cesser sa consommation de drogues, il succombe finalement à une overdose le 25 juin 1988... |
In Utero (album) In Utero est le troisième et dernier album studio du groupe américain de grunge Nirvana, publié par DGC Records le au Royaume-Uni, puis le aux États-Unis. Alors que Nevermind a dépassé toutes les espérances depuis 1991 en obtenant de multiples récompenses et tandis que le couple Kurt Cobain - Courtney Love fait la pluie et le beau temps des magazines à sensation, l'attente pour ce disque devient énorme. Le groupe se met alors à l'écart de tout contact au studio Pachyderm, dans le Minnesota, avec le producteur Steve Albini à la fin du mois de février 1993. Enregistré pour un montant de 180 000 $, l'album retrouve le son qui était caractéristique de Nirvana sur Bleach, mais le label et l'entourage du groupe le trouvent « inaudible ». Le trio s'insurge dans un premier temps, avant d'accepter de revoir sa copie sous la pression des médias, remixant certaines chansons avec Scott Litt en mai dans son studio de Seattle. DGC Records fait de nouveau peu de promotion pour l'album, afin d'éviter la surmédiatisation, et se retrouve même confronté au refus de certains supermarchés de le vendre à cause de la présence de fœtus et du titre subversif Rape Me sur celui-ci. Équilibré entre chansons punks et mélodies pops, ses paroles plus directes se rapportent presque toutes à des maladies ou des souffrances, reflet de l'état de santé de son compositeur, bien qu'il ne le reconnaisse pas. La presse est globalement moins élogieuse que pour l'album précédent, même si l'accueil reste bon, le son brut et abrasif étant régulièrement mis en avant. Cela ne l'empêche pas d'atteindre les sommets des classements de ventes français, américain ou encore britannique et d'obtenir des certifications dans un grand nombre de pays, avec notamment plus de 5 millions d'exemplaires écoulés aux États-Unis. Les tournées qui suivent la sortie du disque sont chaotiques de par l'état de Cobain, qui se dégrade jusqu'à atteindre le point de non-retour lorsqu'il fait une première tentative de suicide le 4 mars 1994 à Rome avant d'être rapatrié chez lui, où il mettra un terme définitif à sa vie un mois plus tard. |
Under the Bridge (chanson) Under the Bridge est une chanson du groupe de rock américain Red Hot Chili Peppers extraite de leur cinquième album studio Blood Sugar Sex Magik et sortie en single le . Le parolier Anthony Kiedis écrit l'intégralité des textes de la chanson, qui traite de son sentiment de solitude par rapport aux autres membres du groupe, de son amour pour la ville de Los Angeles et des conséquences des stupéfiants sur sa vie. Initialement, Anthony Kiedis ne souhaite pas que Under the Bridge figure au répertoire des Red Hot Chili Peppers, mais Rick Rubin, le producteur du groupe, finit par le convaincre du contraire. Le reste du groupe, constitué de John Frusciante (guitare), Chad Smith (batterie) et Flea (basse), compose la musique de la chanson, qui mêle des influences rock alternatif et pop rock. Celle-ci remporte un immense succès auprès des critiques et du public, se hissant à la deuxième place du Billboard et étant certifiée disque de platine par la Recording Industry Association of America. À sa sortie, Under the Bridge est accompagnée d'un clip vidéo réalisé par Gus Van Sant, diffusé régulièrement sur les chaînes de télévision américaines. La chanson contribue à l'explosion de la popularité des Red Hot Chili Peppers sur la scène internationale, ce qui entraîne par la suite le départ du guitariste John Frusciante. Le morceau devient une source d'inspiration pour de nombreux artistes et demeure une référence du rock alternatif des années 1990. |
Bleach (album) Bleach est le premier album studio du groupe américain de grunge Nirvana, sorti le sur le label Sub Pop en cassette et en vinyle 7", puis au format CD au Royaume-Uni par Tupelo Records. Après la déferlante Nevermind en 1991, Sub Pop et Geffen Records ressortent conjointement une édition le avec deux morceaux en plus, devenant ainsi la meilleure vente de l'histoire du premier label avec plus de 1,7 million d'exemplaires vendus outre-Atlantique en 2009 (disque de platine aux États-Unis et disque d'or au Canada), avant l'édition proposée pour son vingtième anniversaire, qui propose en plus une dizaine de chansons enregistrées lors du concert au Pine Street Theater de Portland le 9 février 1990. Ce succès lui vaut également d'être certifié double disque d'or en France avec plus de 200 000 ventes. Alors que Nirvana n'est pas la préoccupation principale de Sub Pop, le groupe enregistre son premier album studio au cours de six sessions et une trentaine d'heures au Reciprocal Recording avec Jack Endino en ingénieur du son entre la fin décembre 1988 et le mois de janvier 1989 pour la modique somme de 606,17 $. La facture est payée par Jason Everman, un ami et fan du groupe, lui permettant d'être crédité comme second guitariste et d'apparaître sur la pochette du disque alors qu'il n'a joué aucune note. Il les accompagne ensuite sur la tournée américaine de dix-neuf dates avant d'être écarté du groupe par Kurt Cobain. Malgré une promotion proche du néant, Nirvana se rend sur le continent européen, précédé du maxi Blew, afin de porter le son de Seattle, la ville d'origine du groupe, de l'autre côté de l'Atlantique. Bénéficiant de la nouvelle popularité du groupe, l'album commence enfin à se vendre et la critique à s'y intéresser malgré les problèmes récurrents de batteur que connaît le trio. Bleach, dont l'unique single est Love Buzz, est marqué par des guitares vives, une basse sourde, une batterie explosive et un chant alternant rugissements primaux et voix suave. Bien que Kurt Cobain estime que le son produit résulte du souhait de leur label, ses talents d'écriture et sa capacité à composer des chansons pop, notamment sur la ballade About a Girl, sont mis en avant. Certains morceaux comme Blew laissent déjà entrevoir la voie du succès que le groupe suivra pour arriver à Nevermind deux ans plus tard. |
MTV Unplugged in New YorkMTV Unplugged in New York est un album live du groupe américain de grunge Nirvana, publié le en CD par DGC Records, puis le en DVD. Alors en tournée pour promouvoir In Utero, mais dont les ventes sont plus faibles que celles espérées, le groupe accepte de participer à l'émission MTV Unplugged. Dans une ambiance tendue entre Kurt Cobain et les représentants de la chaîne, ils répètent deux jours avant d'enregistrer en une seule prise l'intégralité du concert le 18 novembre 1993 dans les studios Sony Music de New York. Diffusée le 12 décembre, leur prestation permet à leur album studio de franchir la barre du million de copies vendues, mais également de donner un nouveau souffle au programme télévisuel. Émotionnellement encore touchés par la mort de leur chanteur en , Dave Grohl et Krist Novoselic sont incapables de faire un tri dans leurs enregistrements lorsque leur label leur demande de publier un disque réunissant différents morceaux live. Ils choisissent alors de publier l'intégralité de l'émission. L'album se place directement à la première place de nombreux classements de ventes dans le monde, dont la France, les États-Unis et le Royaume-Uni, récoltant ainsi de nombreux disques de certification. Quintuple disque de platine outre-Atlantique et double disque de platine en France, MTV Unplugged in New York s'écoule à plus de 6,8 millions d'unités, dépassant In Utero et devenant l'album posthume le plus vendu au monde. |
Sixto Díaz Rodríguez Sixto Díaz Rodríguez, connu sous son nom d'artiste Rodriguez, né le à Détroit dans le Michigan, est un auteur-compositeur-interprète, musicien de rock et folk américain. Sa courte carrière se limite à la sortie de deux albums studio au début des années 1970, qui ne connaissent pas le succès, ainsi qu'à quelques brèves tournées en Australie. Revenu à une vie normale, enchaînant les petits boulots, il devient néanmoins très célèbre en Afrique du Sud, à son insu, où ses albums sont piratés puis diffusés en masse, au point de devenir l'un des artistes les plus appréciés des jeunes de la classe moyenne blanche. Censuré pour ses paroles contestataires évoquant les droits sociaux et la libération sexuelle, il participe à la montée du mouvement contre l'apartheid chez les Blancs. Alors que le public sud-africain le croit mort, deux fans originaires du Cap le retrouvent grâce à Internet et organisent une série de concerts en Afrique du Sud en mars 1998, devant des milliers de personnes. Le film Sugar Man, qui raconte leur histoire, obtient l'Oscar du meilleur film documentaire en 2013 et permet à Rodriguez de connaître la célébrité aux États-Unis et en Europe, où il réalise des tournées en 2013 et 2014. |
With The BeatlesWith The Beatles est le deuxième album des Beatles, paru le 22 novembre 1963 en Grande-Bretagne. Il est enregistré dans la foulée de la sortie du single She Loves You, qui bat des records de vente alors que la Beatlemania bat son plein. Au milieu des tournées en Europe, le groupe enregistre en sept journées de travail, étalées sur trois mois, quatorze chansons composées pour moitié par le duo Lennon/McCartney pendant les tournées.
Enregistré quatre mois après leur premier album, Please Please Me, l'album contient huit chansons originales (incluant la toute première composition de George Harrison) et six reprises, principalement de succès rhythm and blues de la Motown. Davantage que dans leur album précédent, les Beatles ont recours à de nouveaux instruments et techniques de studio, notamment pour doubler leur voix. L'album, généralement moins connu que le précédent, est malgré tout jugé plus abouti. Le disque ne contient cependant pas de chanson majeure du groupe, à l'exception d'All My Loving, les morceaux au meilleur potentiel étant conservés pour les singles. Ce deuxième opus connaît un énorme battage médiatique, battant tous les records de pré-commande, et détrône Please Please Me pour siéger 21 semaines en tête des classements britanniques. Il est également le premier album d'un artiste britannique à dépasser le million d'exemplaires vendus au Royaume-Uni. Outre ses records de vente, et sa pochette qui deviendra une des plus pastichées de l'histoire du rock, With The Beatles est connu comme le premier disque des Beatles à faire l'objet de critiques dans un journal sérieux, le Times. La majorité des chansons de l'album sont réutilisées sur l'album américain Meet The Beatles!, sorti le 20 janvier 1964, qui est le premier disque du groupe largement diffusé aux États-Unis. |
Hellfest Le Hellfest, également appelé Hellfest Summer Open Air, est un festival de musique français spécialisé dans les musiques extrêmes, annuellement organisé au mois de juin à Clisson en Loire-Atlantique. Sa forte fréquentation le fait figurer parmi les plus importants festivals de musique français. Il est aussi l'un des plus grands festivals de metal en Europe et le premier en France. Il trouve son origine dans un autre festival musical, le Furyfest, qui se tenait de 2002 à 2005 dans différents lieux de la région des Pays de la Loire ; le Hellfest en prend la suite en 2006 puis connaît, en quelques années, une hausse continue de sa fréquentation, passant de 22 000 pour la première édition à 152 000 entrées payantes en 2015. Sa programmation est avant tout centrée sur le hard rock, le heavy metal et le metal alternatif pour les deux scènes principales, tandis que chacune des quatre autres scènes du festival est dédiée à un style plus particulier comme le black metal, le death metal, le punk hardcore, le doom metal ou le stoner rock, s'assurant ainsi la présence de groupes et d'artistes internationaux de renom comme Scorpions, Iron Maiden, Deep Purple, ZZ Top, Motörhead, Aerosmith, Lynyrd Skynyrd, Kiss, Guns N' Roses, Black Sabbath, Linkin Park, Alice Cooper, Korn, Slipknot, etc., tout autant que celle de groupes plus spécialisés dans leur genre : Slayer, Megadeth, Sepultura, Cannibal Corpse, Anthrax, etc. Le Hellfest est élu trois fois « Meilleur grand festival » (2014, 2015 et 2017), « Meilleur camping » (2015 et 2016), « Meilleure ambiance » (2013) par le site Festival Awards. |
Is This ItIs This It est le premier album studio du groupe new-yorkais de rock indépendant the Strokes, sorti le en Europe, sur le label Rough Trade Records et le aux États-Unis, sur le label RCA. Il fait suite à leur premier EP The Modern Age, publié quelques mois plus tôt. Julian Casablancas écrit et compose seul quasiment tous les morceaux et le groupe commence à enregistrer en mars 2001 avec le producteur Gil Norton. Mais leur collaboration est jugée insatisfaisante par la formation et c'est finalement Gordon Raphael, déjà producteur de The Modern Age, qui poursuit l'enregistrement dans un studio à Manhattan.
Sur la version américaine, le morceau New York City Cops, dans lequel Julian Casablancas se moque de la police de New York, est remplacé par When It Started, pour éviter toute polémique au lendemain des attentats du 11 septembre 2001. La pochette diffère également de la version européenne : la photographie de Colin Lane d'une main gantée de cuir posée sur une fesse et une hanche de femme nue est remplacée par une illustration inspirée d'images microscopiques de collision de particules. Pour promouvoir l'album, trois singles en sont extraits : Hard to Explain, Last Nite et Someday. Le groupe donne également de nombreux concerts dans le monde entier, qui affichent rapidement complets. Is This It connaît un certain succès commercial puisque, fin 2003, plus de 2 000 000 d'exemplaires ont été vendus à travers le monde, ce qui lui permet d'être certifié disque de platine dans plusieurs pays. L'album est également un succès critique et est considéré comme une œuvre majeure de l'année 2001, de la décennie 2000-2009 et même de l'histoire du rock. Album précurseur du renouveau garage rock au début du millénaire, il a influencé et permis l'émergence d'une nouvelle vague de groupes rock, à une époque où l'industrie musicale était surtout tournée vers les musiques électroniques et le hip-hop. |
Smells Like Teen Spirit Smells Like Teen Spirit est la première chanson de l'album Nevermind du groupe américain de grunge Nirvana, sorti en 1991. Composée un peu avant l'enregistrement de l'album, elle doit son nom à une référence faite par une amie de Kurt Cobain, le chanteur du groupe, à une marque de déodorant, à son insu alors qu'il pensait y voir une allusion anarchiste. Le titre utilise une dynamique inspirée des Pixies qui joue sur l'alternance entre couplets calmes et refrain puissant avec un riff principal à quatre accords. Ses paroles semblent dépourvues de sens et ont donné lieu à diverses interprétations, parfois contradictoires. C'est la première chanson de l'album à sortir en tant que single et son succès inattendu, dû en grande partie aux nombreux passages quotidiens du clip sur MTV, contribue largement à propulser l'album au sommet des classements musicaux dans le monde entier. Le single se classe à la 6e place du Billboard Hot 100 aux États-Unis et intègre le top 10 dans de nombreux pays européens, occupant même la première place en France, en Belgique et en Espagne. La chanson est également très bien accueillie par la critique et remporte deux MTV Video Music Awards lors d'une cérémonie devenue célèbre en raison d'un incident ayant opposé Nirvana au groupe Guns N' Roses. La chanson devient un hymne de la génération X et fait accéder le groupe à la célébrité internationale, une notoriété que ses membres, et Kurt Cobain en particulier, ont du mal à assumer. Le groupe ne l'interprète d'ailleurs quasiment plus en concert lors de ses dernières tournées. Elle a été reprise ou parodiée par de nombreux artistes et continue à être régulièrement citée par le public et les critiques parmi les plus grandes chansons de rock de tous les temps. |
Yellow Submarine (album) Yellow Submarine est le dixième album studio des Beatles, paru le 13 janvier 1969 aux États-Unis et le 17 janvier en Grande-Bretagne. Il s'agit de la bande originale du film d'animation du même nom sorti en salles sept mois auparavant. Des treize morceaux de cet album, seulement six sont des Beatles, parmi lesquels quatre sont inédits. Les titres Yellow Submarine et All You Need Is Love ont en effet déjà été commercialisés auparavant. Les sept morceaux présents sur la face B de la bande originale sont des pièces instrumentales réalisées pour le film, composées et enregistrées par George Martin, et auxquelles aucun des Beatles ne participe. Les quatre nouvelles chansons sont enregistrées entre février 1967 et février 1968 aux studios EMI d'Abbey Road et aux studios De Lane Lea, tandis que les orchestrations sont enregistrées les 22 et 23 octobre 1968. Concernant les chansons des Beatles, deux sont l'œuvre de George Harrison, les quatre autres étant signées Lennon/McCartney. La plus grande partie des chansons a également recours à de nombreux overdubs, qu'il s'agisse d'ajout d'effets sonores ou d'instruments comme des cuivres. Aucun des titres n'était à l'origine véritablement composé pour cet album, ou pour le dessin animé qui met en scène le groupe. Les genres musicaux vont du simple rock au psychédélisme poussé. L'album est souvent considéré comme le moins bon du groupe, et ne s'impose en tête des hit-parades ni en Grande-Bretagne ni aux États-Unis : il doit dans les deux cas se heurter à la concurrence de l'« album blanc » que le groupe a publié deux mois auparavant. Les Beatles eux-mêmes ne prêtent que peu d'attention à ce disque, qui déçoit les fans par son manque de contenu inédit et ses parties orchestrales qui semblent hors de propos sur un album des Fab Four. Une version de la bande originale avec uniquement des chansons du groupe, Yellow Submarine Songtrack, est publiée tardivement en 1999 pour pallier ce fait. |
Enema of the StateEnema of the State est le troisième album studio du groupe américain de pop punk Blink-182, sorti le sur le label MCA. Il sort deux ans après Dude Ranch, qui a propulsé le trio californien sur le devant de la scène, et marque l'arrivée du batteur Travis Barker en remplacement de Scott Raynor, exclu du groupe en raison de son alcoolisme.
Les membres du groupe commencent à composer des chansons aux studios DML, à Escondido (Californie) à partir d'octobre 1998, puis enregistrent dans différents studios à San Diego, Hollywood, Los Angeles et Encinitas avec le producteur Jerry Finn, jusqu'en février 1999. Les pistes sont ensuite retravaillées par ce dernier pour leur donner un son plus pop, avant d'être mixées aux studios South Beach et Conway Recording de Miami, et mastérisées par Brian Gardner au Bernier Grundman Recording d'Hollywood. Accompagné des trois singles What's My Age Again?, All the Small Things et Adam's Song, qui accèdent à plusieurs sommets de classements de ventes, l'album bénéficie d'assez bonnes critiques et entre directement à la 9e place du Billboard 200 avec plus de 110 000 exemplaires vendus la première semaine. Il est désormais quintuple disque de platine aux États-Unis avec plus de 5 millions de copies écoulées. Le succès est également international puisqu'il obtient des certifications dans différents pays du monde, comme l'Australie, la Nouvelle-Zélande, l'Italie, le Royaume-Uni ou encore le Mexique, l'Indonésie et les Philippines. La tournée The Mark, Tom and Travis Show Tour voit ainsi le trio parcourir le monde jusqu'en novembre 2000 et permet la sortie un album live associé : The Mark, Tom, and Travis Show (The Enema Strikes Back!). Souvent critiqué pour son manque de maturité et sa pochette affichant l'actrice de films pornographiques Janine Lindemulder en infirmière, l'opus propose des chansons rythmées évoquant majoritairement l'adolescence et les filles dans un style pop punk qui a fait de Blink-182 le groupe phare du mouvement. L'album apparaît depuis dans plusieurs classements des disques les plus influents du rock contemporain. |
À l'Olympia (album d'Alan Stivell) À l'Olympia est le premier album live et le quatrième album original d'Alan Stivell, produit en mai 1972 par le label Fontana. Il est enregistré en public à l'Olympia, le célèbre music-hall de Paris, le . Avec une solide expérience musicale, principal acteur du renouveau de la harpe celtique, Alan Stivell s'entoure pour la première fois d'un orchestre de neuf musiciens. Le concert étant programmé sur Europe 1, l'une des trois radios françaises, le jeune chanteur breton bénéficie d'une audience estimée à sept millions d'auditeurs. Il propose une musique bretonne réarrangée et modernisée par l'ajout d'instruments folk et rock, ce qui est une innovation majeure. Chantant principalement en breton, il ajoute un air gaélique et deux chansons en anglais, donnant une dimension interceltique à sa musique. Des chansons bretonnes s'illustrent dans les hit-parades : l'instrumental Pop Plinn, qui marque l'interprétation d'une danse bretonne pour la première fois à la guitare électrique, ainsi que les chansons Suite Sudarmoricaine et Tri Martolod, entonnées tels des hymnes fédérateurs. Ce concert, comprenant exclusivement des titres inédits, marque le début de la deuxième étape du renouveau breton. Plus de deux millions d'albums se sont vendus dans le monde, en France, mais aussi en particulier dans les pays celtiques et les États-Unis (reconnaissance du magazine Rolling Stone). S'en suit une « vague » bretonne et celtique en France et en Europe à moindre échelle, avec des décalages temporels, ayant même des répercutions dans le bloc de l'Est et au Maghreb. Celle-ci voit la naissance de nombreux groupes et porte la popularité de l'artiste durant les années 1970. |
Magical Mystery Tour (album).jpg) Magical Mystery Tour est un album des Beatles, sorti le 27 novembre 1967 aux États-Unis parallèlement au film du même nom tandis que la version anglaise, mise en vente le 8 décembre 1967, est un double maxi de la bande originale contenant les six titres liés au film. La bande originale est composée de six morceaux composés et enregistrés durant l'été et l'automne 1967, dans la foulée du succès de Sgt. Pepper et de la mort de Brian Epstein. Deux titres s'y démarquent particulièrement, The Fool on the Hill et I Am the Walrus, tandis que la face B de l'édition américaine est prétexte à la réunion de tous les singles publiés par le groupe durant l'année, notamment All You Need Is Love, Strawberry Fields Forever et Penny Lane. Ces chansons marquent les derniers feux de la période psychédélique du groupe, les Beatles s'écartant de ce genre dès l'année suivante. Qu'il s'agisse de l'EP britannique ou de l'album américain, le disque connaît un grand succès, atteignant le sommet des charts de sa catégorie aux États-Unis, et la deuxième place des classements de singles en Angleterre (chose rare pour un Double EP). La formule américaine se révèle cependant plus convaincante, et est généralisée à partir du milieu des années 1970. |
Wasting Light Wasting Light est le septième album studio du groupe américain de rock alternatif Foo Fighters, sorti le chez RCA Records. Après Echoes, Silence, Patience and Grace en 2007, mélange de chansons rock et de ballades mélodieuses, et des concerts à guichets fermés à Wembley, la formation de Dave Grohl est devenue célèbre dans le monde entier. Dans cet album, l'ancien batteur de Nirvana souhaite revenir aux fondamentaux du groupe afin de capturer l'essence même de leur musique. L'album est enregistré dans son garage à Encino, en Californie, avec du matériel analogique et sous les ordres de Butch Vig, qui retrouve Grohl dix-neuf ans après Nevermind. L'utilisation de cet équipement et d'anciennes méthodes de production donne un son obtenu plus lourd et plus brut, contrastant avec la musique plus expérimentale des précédents albums du groupe. Les paroles, écrites par Grohl, évoquent des thèmes comme le passé, le futur, la vie et la mort : la chanson I Should Have Known, en duo avec Krist Novoselic, évoque notamment le suicide de Kurt Cobain. Afin de permettre aux fans de suivre l'avancement du travail, les séances d'enregistrement sont filmées et diffusées sur le site web du groupe et sur leur compte Twitter. Il en sort également un documentaire intitulé Back and Forth, qui retrace la carrière de Foo Fighters. Tout comme Rope et Walk, ses deux premiers singles, Wasting Light prend la tête de nombreux classements de ventes mondiaux à sa sortie et remporte de nombreuses certifications, dont un disque d'or aux États-Unis et un disque de platine au Royaume-Uni. Encensé par la presse spécialisée, l'album est également récompensé lors de la 54e cérémonie des Grammy Awards début 2012 avec quatre trophées, dont celui du « Meilleur album rock ». Après huit concerts donnés dans le garage de fans sélectionnés sur concours à sa sortie, Foo Fighters entreprend une tournée mondiale qui dure jusqu'au début du mois d'octobre 2012, lorsque Grohl annonce une pause à durée indéterminée pour le groupe. |
Mother's Milk Mother's Milk est le quatrième album studio du groupe américain de funk rock Red Hot Chili Peppers sorti le sur le label EMI. Il fait suite à The Uplift Mofo Party Plan, sorti en 1987 et seul album avec la formation originale, le guitariste Hillel Slovak étant mort d'une overdose d'héroïne en juin 1988 et le batteur Jack Irons tombant en dépression. Le chanteur Anthony Kiedis et le bassiste Flea sont alors rejoints par le guitariste John Frusciante et le batteur Chad Smith, le premier influençant significativement le son des Red Hot en privilégiant la mélodie au rythme. En plus de certaines chansons directement issues de jam sessions, le disque est enregistré et produit dans plusieurs studios de Los Angeles sous la direction de Michael Beinhorn, dont l'acharnement pour sortir un tube et les désirs autour des effets de guitare finissent par détériorer sa relation avec les musiciens. Porté par ses singles Knock Me Down et Higher Ground (reprise de Stevie Wonder), mais très fraîchement reçu par la critique, l'album se révèle le plus grand succès commercial du groupe à l'époque avec 500 000 ventes aux États-Unis en six mois, devenant ainsi le premier disque d'or des Red Hot. Accompagné d'une tournée d'un an et demi, où les Red Hot Chili Peppers jouent en Amérique du Nord, en Europe et au Japon, et au cours de laquelle ils ont plusieurs fois affaire à la justice, Mother's Milk constitue le tournant de leur carrière, les faisant passer du rang d'inconnus au succès local à celui de meilleur groupe de la côte Ouest du moment. |
Back to Breizh Back to Breizh (en français : « Retour vers la Bretagne ») est le vingtième album original d'Alan Stivell et son seizième album studio, paru le chez Dreyfus. Il représente une synthèse de la musique du harpiste, avec des côtés traditionnels, l'écriture de textes actuels et des expérimentations, entre la musique pop rock, new age et électronique. La fusion de sonorités contemporaines conserve néanmoins une plus grande place aux accents acoustiques et à la harpe celtique en tant qu'instrument électrique. L'album, synthèse des idéaux défendus par Alan Stivell depuis toujours, a pour thèmes centraux les bienfaits du sentiment de civilisation (amour de sa terre et de sa tribu) et les dangers du sentiment de supériorité (conquêtes des grandes villes, du capitalisme et de l’uniformisme) qui va à l'encontre de la paix et qui tue des héritages de l'humanité (créativité, pensée, biodiversité). Afin de concrétiser le mélange des différents genres musicaux qui touchent Alan Stivell, l'artiste convie des proches d'Étienne Daho pour le côté rock (Frank Darcel, Xavier Géronimi, Marcel Aubé), des musiciens et chanteurs issus du milieu traditionnel breton (frères Guichen, Gwennyn) et des spécialistes de l'électronique (Cooky Cue, Yves-André Lefeuvre). Apprécié par les journalistes spécialisés, Back to Breizh trouve écho dans le cœur des Bretons et à travers une tournée internationale. |
George Michael George Michael [ d͡ʒɔːd͡ʒ ˈmaɪkəl], nom de scène de Georgios Kyriacos Panayiotou, est un auteur-compositeur-interprète et producteur musical britannique, né le à East Finchley (Grand Londres) et mort le à Goring-on-Thames (Oxfordshire). Georgios Panayiotou grandit dans la grande banlieue londonienne avec son père chypriote grec, sa mère anglaise et ses deux sœurs. Le jeune Georgios Panayiotou est très tôt passionné par la musique. En 1979, avec ses camarades de classe Andrew Ridgeley et David Austin, il fonde un groupe de ska appelé The Executive. Même s'ils ne rencontrent pas de succès, les trois amis veulent continuer à faire de la musique. En 1982, George Panayiotou et Andrew Ridgeley présentent leurs compositions au label Innervision Records, qui engage les deux jeunes gens. Leur groupe, appelé Wham!, sort son premier album en 1983. Georgios Panayiotou devient alors George Michael. Wham! connaît rapidement un succès international avec les chansons Wake Me Up Before You Go-Go, Freedom, Everything She Wants et Last Christmas. En 1985, Wham! est le premier groupe occidental à se produire en Chine communiste. Mais George Michael participe de plus en plus à des projets en solitaire et il sort deux singles sous son nom : Careless Whisper, coécrit avec Andrew Ridgeley, et A Different Corner. En 1986, après un concert d'adieu au stade de Wembley, Wham! se sépare. En 1987, George Michael chante en duo I Knew You Were Waiting (For Me) avec Aretha Franklin et signe le début de sa carrière en solo. Avec l'album Faith, il devient rapidement une star internationale. Influencés par la musique dance et rock de Prince, les singles I Want Your Sex, Faith, Father Figure, One More Try et Monkey se classent en bonne position dans les hit-parades. L'album Faith remporte même le Grammy Award de l'album de l'année 1988. Dans les années 1990, George Michael souhaite prendre de la distance avec son succès et sa célébrité. Le chanteur ne fait aucune promotion pour son nouvel album Listen Without Prejudice, Vol. 1 et n'apparaît pas dans les clips de ses singles Praying for Time et Freedom! '90. Les relations avec sa maison de disque Sony Music sont tendues, jusqu'à aboutir à un procès entre 1992 et 1995. L'artiste s'engage de plus en plus dans des causes caritatives. En 1992, sa reprise de Somebody to Love de Queen est en quelque sorte le symbole de son engagement contre le sida. La maladie et la mort hantent d'ailleurs George Michael au cours de cette période. En 1993, son compagnon Anselmo Feleppa meurt du sida et le chanteur lui dédie trois ans plus tard son album Older. En 1997, c'est sa mère qui meurt d'un cancer. George Michael cesse alors d'écrire de la musique. Il fait un retour médiatique involontaire en 1998, lorsqu'il est arrêté dans un parc pour « atteinte à la pudeur ». Cet incident conduit le chanteur à déclarer publiquement son homosexualité. Il sort ensuite la chanson Outside pour célébrer les joies de l'amour en plein air. La même année, la sortie d'une compilation démontre la popularité de l'artiste auprès du public. En 1999, il sort l'album de reprises jazz Songs from the Last Century qui est un échec critique… |
The Final Cut (album)The Final Cut est le douzième album studio du groupe de rock progressif britannique Pink Floyd, sorti le au Royaume-Uni.
Cet album-concept est le dernier du groupe auquel participe le chanteur et bassiste Roger Waters, et le seul sur lequel n'apparaît pas le claviériste Richard Wright, renvoyé durant l'enregistrement de The Wall, le précédent album de Pink Floyd. Waters envisage d'abord l'album comme une simple bande originale du film adapté de The Wall, mais l'actualité, avec le déclenchement de la guerre des Malouines, lui inspire l'écriture de nouvelles chansons où domine une thématique antiguerre. Il dédie l'album à son père, tué durant la Seconde Guerre mondiale. The Final Cut est enregistré dans huit studios durant la seconde moitié de l'année 1982, avec l'aide de musiciens de studio, dans un contexte de relations tendues entre Waters et le guitariste David Gilmour. Le bassiste occupe un rôle prépondérant à tous les niveaux : il écrit toutes les chansons et les chante toutes sauf une, coproduit l'album et en conçoit la pochette. The Final Cut est à ce titre parfois considéré comme son premier album solo. À sa sortie, il se classe no 1 des ventes au Royaume-Uni et reçoit des critiques polarisées. Waters quitte Pink Floyd deux ans plus tard. |
Californication (album)Californication est le septième album studio enregistré par le groupe californien de funk rock Red Hot Chili Peppers, paru le chez Warner Bros. De nouveau produit par Rick Rubin, il marque le retour de John Frusciante à la guitare, après plusieurs années de dépendance aux drogues, et le départ de Dave Navarro. Il coïncide aussi avec un changement dans leur musique : un son plus funk rock, des chansons plus structurées et des riffs plus mélodiques. Les paroles se rapportent aux réflexions d'Anthony Kiedis sur la vie, l'amour, le sarcasme et le mode de vie californien, qui engendre l'utilisation du mot-valise Californication, de « Californie » et « fornication ». Globalement bien accueilli par la critique, puis suivi d'une tournée mondiale d'une année et d'une centaine de concerts, Californication se place dans les cinq premiers des classements de ventes de nombreux pays, dont les États-Unis, le Royaume-Uni et la France. En conséquence, il obtient de nombreuses certifications à travers le monde : c'est le plus grand succès commercial du groupe avec plus de 15 millions d'exemplaires vendus, dont un tiers dans son pays d'origine, plus d'un million au Royaume-Uni et plus de 500 000 en Allemagne, en Australie, au Brésil et au Canada. Bien que non nommé lors de la 42e cérémonie des Grammy Awards, l'album est indirectement récompensé par le Grammy de la meilleure chanson rock pour le single Scar Tissue. Il apparaît depuis dans plusieurs classements des « meilleurs albums de tous les temps », dont celui du Rolling Stones, et dans les 1001 albums qu'il faut avoir écoutés dans sa vie de Robert Dimery. |
In Your HonorIn Your Honor est le cinquième album studio du groupe américain de rock alternatif Foo Fighters, sorti le sur le label RCA Records. Double album, il est composé d'un disque rock et d'un disque acoustique, sur lequel figurent plusieurs invités tels que Josh Homme, John Paul Jones et Norah Jones. Enregistré dans leur nouveau studio à Los Angeles avec Nick Raskulinecz, Dave Grohl souhaite en faire un « album symbole » pour le groupe, au même titre que Physical Graffiti pour Led Zeppelin, laissant présager de ce qu'ils pourraient faire à l'avenir. Les paroles évoquent des thèmes généraux inspirés de la campagne de John Kerry pour l'élection présidentielle américaine de 2004 dans laquelle Grohl s'est investi, mais sont également plus introspectives, sans pour autant refléter l'état d'esprit du chanteur.
Globalement bien accueilli par la critique, l'album se classe premier des classements de ventes de plusieurs pays comme l'Australie ou la Nouvelle-Zélande, mais est dépassé par X&Y de Coldplay aux États-Unis et au Royaume-Uni. Plus gros succès international du groupe à l'époque, il obtient de nombreuses certifications, dont un disque de platine dans son pays d'origine et un double disque de platine au Royaume-Uni, mais n'est en revanche pas récompensé lors de la 48e cérémonie des Grammy Awards. Une tournée mondiale d'une centaine de concerts donnés en Amérique du Nord, en Europe, en Océanie et au Japon accompagne sa sortie pendant un an et demi, où ils alternent électrique et acoustique. Ceux des 29 aux 31 août au Pantages Theatre de Los Angeles donnent naissance le 7 novembre 2006 à l'album live Skin and Bones, incluant, pour la version britannique, la célébration de leur dixième anniversaire devant 85 000 personnes à Hyde Park, le 17 juin 2006. |
Echoes, Silence, Patience and Grace Echoes, Silence, Patience and Grace est le sixième album studio du groupe américain de rock alternatif Foo Fighters, sorti le sur le label RCA Records. Il se distingue des autres par la présence de titres acoustiques et d'importantes variations de nuances qui s'expliquent par la grande variété de styles utilisés sur les démos enregistrées préalablement par le groupe. C'est la deuxième collaboration du groupe avec le producteur Gil Norton, Dave Grohl souhaitant travailler avec lui pour tirer le meilleur parti de ses compositions et avoir un album musicalement différent des précédents. Grohl s'est attaché à écrire des chansons contenant des messages s’adressant aux auditeurs, avec des textes réfléchis et inspirés par la naissance de sa fille. Globalement bien accueilli par la critique, l'album se classe premier des classements de ventes de plusieurs pays, dont le Royaume-Uni, le Canada et l'Australie et remporte de fait de nombreuses certifications, dont un disque d'or dans son pays d'origine et un double disque de platine au Royaume-Uni. Il remporte également le Grammy Award du meilleur album rock lors de la 50e cérémonie des Grammy Awards début 2008 et le Brit Award du « meilleur album international » la même année. Le premier single tiré de l'album, The Pretender, est récompensé du Grammy Award de la meilleure prestation hard rock. Dès sa sortie, Foo Fighters en fait sa promotion avec une tournée internationale d'une centaine de concerts qui s'achève début décembre 2008. Au cours de celle-ci, ils jouent à guichets fermés les 6 et 7 juin dans le stade de Wembley devant plus de 85 000 personnes et sont rejoints chaque soir sur scène par Jimmy Page et John Paul Jones (Led Zeppelin). Les deux soirées sont filmées pour créer le DVD Live at Wembley Stadium, sorti le 25 août 2008. |
Come as You Are Come as You Are est une chanson du groupe américain de grunge Nirvana écrite par Kurt Cobain et sortie en tant que deuxième single de l'album Nevermind en 1992. Cette chanson a été composée un peu avant l'enregistrement de Nevermind. Elle fait partie des titres plus calmes de l'album et ses paroles peuvent être interprétées de diverses manières. Le groupe Killing Joke a accusé Nirvana d'avoir plagié le riff de guitare d'une de leurs chansons mais n'a pas engagé de poursuites judiciaires. Le single s'est classé à la 32e place du Billboard Hot 100 aux États-Unis, à la 9e place de l'UK Singles Chart au Royaume-Uni et à la 12e place du Top 50 en France. Il est depuis disque d'argent au Royaume-Uni et disque d'or en Italie. Elle est généralement considérée comme l'une des meilleures chansons du groupe et a été reprise par plusieurs autres artistes. En 2005, une pancarte y faisant référence a été installée à l'entrée d'Aberdeen, ville natale de Kurt Cobain. |
Kasabian (album)Kasabian est le premier album studio du groupe de rock britannique Kasabian sorti le au Royaume-Uni, puis le en France et enfin le aux États-Unis sur le label RCA Records. Enregistré dans une ferme sur les bords de Rutland Water, près d'Oakham, avec différents batteurs et producteurs sur une période d'un an et demi, il est précédé par les singles Reason Is Treason, Club Foot et L.S.F. (Lost Souls Forever) et par la saison estivale des festivals qui génèrent une forte attente auprès de la formation.
Le disque reçoit un accueil favorable de la part du public et de la presse spécialisée. Ainsi, il entre directement à la 4e place du classement britannique des ventes d'albums et est certifié disque d'or en dix jours. Son succès est plus mesuré dans les autres pays, mais l'album permet à Kasabian d'être nommé dans plusieurs catégories lors de différentes cérémonies de récompenses musicales, sans toutefois en remporter une seule. Sa sortie est suivie d'intenses tournées en Europe, au Japon et en Amérique du Nord jusqu'à la fin de l'année 2005, donnant lieu à un album live, Live from Brixton Academy, proposé en téléchargement à partir du 4 juillet 2005. Vu comme l'héritage musical britannique des deux décennies le précédant et décrit comme un mélange de britpop, de madchester et de touches electro, Kasabian s'est vendu à plus d'un million d'exemplaires dans son pays d'origine, lui permettant ainsi d'être triple disque de platine. |
Nirvana (groupe) Nirvana est un groupe de rock alternatif américain, originaire d'Aberdeen, dans l'État de Washington, formé en 1987 par le chanteur-guitariste Kurt Cobain et le bassiste Krist Novoselic. Après Bleach en 1989, son premier album studio produit par le label indépendant Sub Pop et une succession de batteurs, la formation se stabilise avec l'arrivée de Dave Grohl en octobre 1990. Le trio signe l'année suivante avec le label DGC Records et sort son deuxième album, Nevermind, accompagné notamment des singles Smells Like Teen Spirit et Come as You Are. Les clips de ceux-ci sont largement diffusés sur la chaîne musicale MTV, tandis que l’album dépasse rapidement les prédictions de vente avec plusieurs millions d'exemplaires vendus. Le groupe devient la cible de la presse à sensation, à cause de la relation tumultueuse de Cobain avec la chanteuse Courtney Love et de leur consommation de drogues dures tout particulièrement. Sous pression, la formation est au bord de la rupture à l'été 1992 mais accepte de participer au festival de Reading, qui verra l'une des prestations scéniques les plus abouties de son existence. Nirvana s'isole ensuite au début de l'année suivante au studio Pachyderm avec Steve Albini et y enregistre son troisième album, dans l'objectif de retrouver un style musical plus sombre et « moins commercial » que celui de Nevermind. Après le remixage de la controversée première version, In Utero sort en septembre 1993 et occupe immédiatement la tête des différents classements de ventes, bien qu'il ne bénéficie d'aucune promotion. Désormais accompagné sur scène par Pat Smear à la guitare et de Lori Goldston au violon, le groupe s'illustre à la mi-novembre lors de l'émission MTV Unplugged, lors de laquelle il réalise plusieurs reprises dont Where Did You Sleep Last Night de Leadbelly et The Man Who Sold the World de David Bowie. Après une dernière jam session début 1994, la tournée européenne qui suit s'achève prématurément avec l'hospitalisation de Cobain pour tentative de suicide. Il part à Los Angeles suivre une cure de désintoxication mais s'en enfuit peu après et rentre à Seattle pour mettre fin à ses jours chez lui le 5 avril. Avec seulement trois albums studio, les compositions de Nirvana proposent des ballades inspirées des Beatles et des morceaux aux riffs plus agressifs influencés par les Pixies, Sonic Youth, Black Sabbath ou encore les Melvins autour de thèmes variés et souvent personnels à Cobain : son mal de vivre, sa dépendance à l'héroïne, le machisme dans la société américaine, l'amour ou sa propre enfance. La carrière du trio, bien que courte, marque l'histoire du rock de son empreinte en étant la figure emblématique du mouvement grunge, rendant populaire le rock alternatif et ouvrant la voie à d'autres groupes tels que Foo Fighters, The Offspring ou Green Day. Nirvana est introduit au Rock and Roll Hall of Fame en 2014. DGC Records publiant régulièrement des compilations, des albums live ou de nouvelles éditions d'albums de la formation, les ventes globales dépassent désormais les 75 millions d'exemplaires dans le monde. |
Sonic HighwaysSonic Highways est le huitième album studio du groupe américain de rock alternatif Foo Fighters, sorti le sur le label RCA Records.
Produit par Butch Vig et enregistré dans huit villes américaines (Austin, Chicago, Los Angeles, Nashville, La Nouvelle-Orléans, New York, Seattle et Washington) avec la participation de musiciens locaux influents, il est accompagné par la diffusion sur HBO d'un documentaire homonyme, lequel raconte les processus d'enregistrements des chansons et d'écritures des paroles, centrées sur l'histoire de ces villes. Il propose aussi l'interview de multiples personnalités locales, comme celles des artistes Dolly Parton, Joe Walsh ou encore Rick Nielsen. Plutôt favorablement accueilli par la critique, l'album accède à de nombreux podiums de classements de ventes, dont ceux des États-Unis et du Royaume-Uni, ce qui lui permet d'obtenir des certifications dans plusieurs pays ainsi que des nominations pour des récompenses, telles que les Grammy Awards, mais aucun trophée ne vient gratifier le groupe. Foo Fighters se produit ensuite lors d'une tournée mondiale pour faire la promotion de l'album. Le groupe est ainsi ambassadeur du Record Store Day, au cours duquel il publie le maxi Songs from the Laundry Room, puis clôture la dernière du Late Show with David Letterman. Les membres du groupe sont contraints d'annuler une partie de leur tournée lorsque leur leader Dave Grohl se casse la jambe sur scène à Göteborg en juin 2015. Grohl joue ensuite plusieurs concerts assis sur un trône avec son plâtre, puis la tournée est définitivement arrêtée après les attentats du 13 novembre 2015 en France. Pour « célébrer la vie par la musique », ils sortent dix jours plus tard Saint Cecilia, un maxi initialement prévu pour remercier leurs fans, et annoncent alors une nouvelle pause à durée indéterminée. |
In Bloom In Bloom est une chanson du groupe américain de grunge Nirvana, écrite par Kurt Cobain et sortie en tant que quatrième et dernier single de l'album Nevermind fin novembre 1992. Après une première version avec Chad Channing à la batterie lors d'une session aux studios Smart en avril 1990, le morceau est enregistré avec Dave Grohl aux studios Sound City pour l'album. Il utilise une structure de changements de nuances avec des couplets calmes et un refrain puissant. Les paroles peuvent être différemment interprétées et font référence selon les avis des spécialistes aux nouveaux fans du groupe ou à un ami de Cobain. Elles semblent évoquer les armes à feu, l'aliénation et le suicide. Le single se classe à la 5e place du classement Mainstream Rock aux États-Unis et dans le top 30 de l'UK Singles Chart au Royaume-Uni. La deuxième version du clip, réalisée par Kevin Kerslake, parodie les interprétations de groupes des années 1960 dans les émissions télévisées musicales. Ce clip remporte en 1993 le MTV Video Music Award de la meilleure vidéo de rock alternatif. Généralement considérée comme l'une des meilleures chansons du groupe, elle est reprise par plusieurs artistes, dont le groupe de trip hop Hooverphonic et le chanteur de musique country Sturgill Simpson. |
Lithium (chanson de Nirvana) Lithium est une chanson du groupe américain de grunge Nirvana, écrite par Kurt Cobain et sortie en tant que troisième single de l'album Nevermind en juillet 1992. Elle évoque un homme suicidaire qui se tourne vers la religion. L'enregistrement de sa maquette est l'une des principales causes de l'éviction du groupe du batteur Chad Channing. La chanson dans sa version définitive est l'une des plus difficiles à enregistrer de l'album, ces difficultés provoquant la conception de la chanson cachée de Nevermind. Le single se classe à la 64e place du Billboard Hot 100 aux États-Unis, à la 11e place au Royaume-Uni, pays dans lequel il est certifié disque d'argent, et atteint même la 1re place du Suomen virallinen lista en Finlande. Le clip vidéo est un montage d'extraits du groupe en concert réalisé par Kevin Kerslake. Régulièrement considérée comme l'une des meilleures chansons du groupe, elle est reprise depuis sa sortie par plusieurs artistes. |
Heart-Shaped Box Heart-Shaped Box est une chanson du groupe américain de grunge Nirvana, écrite par Kurt Cobain et sortie en tant que premier single de l'album In Utero en août 1993. Inspirée à Cobain par sa relation avec Courtney Love, la chanson est enregistrée et interprétée pour la première fois au Brésil. Elle subit plusieurs modifications jusqu'à sa version définitive, enregistrée en février 1993 au studio Pachyderm avec le producteur Steve Albini, puis mixée par Scott Litt. Le single se classe à la 1re place du classement Modern Rock Tracks aux États-Unis, et à la 5e place au Royaume-Uni. Le clip vidéo est réalisé par Anton Corbijn et remporte deux prix aux MTV Video Music Awards 1994. Régulièrement considérée comme l'une des meilleures chansons du groupe, elle est reprise depuis sa sortie par plusieurs artistes, dont le groupe de nu metal Evanescence et la chanteuse Lana Del Rey. |
Empire (album de Kasabian)Empire est le deuxième album studio du groupe britannique de rock indépendant Kasabian sorti le sur le label Sony Music Entertainment. Enregistré en quinze jours dans les studios Rockfield au pays de Galles avec le producteur Jim Abbiss, ce disque aux sonorités plus glam rock que le précédent marque le départ de Chris Karloff et l'arrivée de Jay Mehler au sein du groupe. Accompagné de trois singles et globalement bien accueilli par la critique, il entre directement à la première place du classement britannique des ventes d'albums et y obtient un double disque de platine en moins d'un an. Il est aussi disque de platine en Irlande et disque d'or en Australie.
Kasabian entame la promotion de l'album dès l'été via des émissions de télévision et de radio, ainsi qu'en se produisant dans des festivals et en première partie des Rolling Stones pour sa tournée A Bigger Bang. Les musiciens poursuivent leurs concerts en Amérique du Nord, en Europe, au Japon, en Océanie et au Brésil jusque fin 2007. Malgré de multiples nominations pour les cérémonies de récompenses musicales, ils ne remportent que le titre de « meilleur groupe sur scène » lors des NME Awards 2007. |
Infinity on HighInfinity on High est le quatrième album studio du groupe américain de punk rock Fall Out Boy, sorti le sur le label Island Records. L'album est enregistré de juillet à octobre 2006 avec Neal Avron comme producteur principal dans les Studios Pass de Los Angeles après six semaines d'écriture et de répétitions à Chicago puis Los Angeles. Composé par Patrick Stump, il compte Babyface et Jay-Z parmi les artistes invités, explorant ainsi des horizons plus larges, avec l'apparition du RnB et de la soul, ainsi que d'instruments à cordes. Avec des mélodies plus pop et des paroles qui évoquent l'ascension et la notoriété du groupe, Fall Out Boy s'écarte de ses origines punk hardcore et se rapproche de la pop punk.
Globalement bien accueilli par la critique et bien accompagné par le single This Ain't a Scene, It's an Arms Race, l'album entre directement en tête des ventes aux États-Unis et en Nouvelle-Zélande, se plaçant dans les cinq premières places de plusieurs autres pays. Vendu depuis à plus de deux millions d'exemplaires dans le monde, il est notamment certifié disque de platine dans son pays d'origine et au Royaume-Uni. Publié avec le maxi live Leaked in London pour contrer sa fuite sur internet, le disque est suivi par plusieurs tournées, qui voient Fall Out Boy se produire sur les différents continents jusqu'au printemps 2008, la formation échouant cependant dans son entreprise d'entrer dans le Livre Guinness des records en tant que premier groupe à jouer sur les sept continents en neuf mois. Le concert du 22 juin 2007 à Phoenix est enregistré puis donne naissance le 1er avril 2008 au Live in Phoenix. |
CBGB's and the Birth of U.S. Punk CBGB's and the Birth of U.S. Punk est une compilation musicale sortie le . Elle se focalise principalement sur des groupes venus jouer au CBGB, un club new-yorkais situé dans le quartier de Bowery qui est associé à l'émergence du punk rock aux États-Unis. Son fondateur et propriétaire, Hilly Kristal, se rend à Londres en 2002 pour promouvoir la sortie de l'album, alors que des groupes comme The Hives et The Strokes mettent au goût du jour le son du CBGB. La compilation est composée de dix-huit titres sélectionnés par le critique de rock britannique Johnny Chandler. En soixante-trois minutes et dix secondes, elle retrace l'histoire du punk rock américain, depuis ses origines dans le garage rock jusqu'à la formation de groupes tels que les Ramones, Television et Suicide. Décrite notamment comme une « leçon d'histoire », plusieurs critiques musicaux la recommandent à ceux qui s'intéressent aux origines du punk. |
Dookie Dookie est le troisième album studio du groupe californien de punk rock Green Day, sorti le . Premier album du groupe produit par un label majeur, Reprise Records, il est enregistré en trois semaines aux studios Fantasy avec le producteur Rob Cavallo à la fin de l'été 1993. Apprécié des critiques musicaux, l'album est porté par les singles Longview et Basket Case. Il connaît un succès commercial inattendu, atteignant notamment la 2e place du classement Billboard 200 et remportant même le Grammy Award du meilleur album de musique alternative. Il se vend à plus de vingt millions d'exemplaires à travers le monde et est désormais disque de diamant aux États-Unis et au Canada, ainsi que détenteur de certifications dans de nombreux autres pays. La tournée qui accompagne l'album est émaillée par quelques incidents et excentricités du trio. Après plusieurs années dominées par le grunge, le disque apporte un son plus vif et plus mélodique, avec des paroles sans prétention qui touchent un public universel et permet au groupe d'accéder à une popularité mondiale. Considéré comme l'un des albums marquants des années 1990 et du rock en général, il relance également l'intérêt du grand public pour le punk et influence une nouvelle vague de groupes reliés à ce mouvement, tels que Blink-182, Sum 41, Rancid ou encore Fall Out Boy. |
Toto IV Toto IV est le quatrième album studio du groupe américain de rock Toto, sorti le sous le label Columbia Records. Produit par le groupe lui-même, l'album est enregistré dans un contexte tendu avec la maison de disque, à la suite de l'échec commercial de Turn Back, paru un an plus tôt. Le label menace en effet le groupe de rompre son contrat si celui-ci ne produit pas un disque à succès. La formation reste identique à l'album précédent : Steve Lukather est à la guitare, Bobby Kimball au chant, David Hungate à la basse, Jeff Porcaro à la batterie, Steve Porcaro et David Paich aux claviers. Toto s'entoure également de nombreux musiciens, dont certains sont des proches, comme Marty Paich, Lenny Castro ou encore Joe Porcaro. Le bassiste David Hungate choisit toutefois de quitter le groupe à la fin des sessions d'enregistrements pour se consacrer à sa famille. Il est remplacé par Mike Porcaro, frère de Jeff et Steve Porcaro. Toto IV est enregistré entre Los Angeles et Londres de fin 1981 à début 1982, et marque d'importants changements dans la musique du groupe. En effet, alors que Turn Back s'oriente vers un registre hard rock, Toto choisit de composer des mélodies aux influences rock progressif et jazz-fusion, avec des paroles axées sur l'amour et le romantisme. À sa sortie, l'album n'est pas apprécié par les critiques musicaux de l'époque. Le groupe subit en effet depuis ses débuts un acharnement médiatique, qui se traduit parfois par des propos haineux de la part de certains journalistes issus de la vague punk rock. Pourtant, Toto IV devient rapidement un succès commercial et donne au groupe une notoriété internationale. Cinq singles en sont extraits, dont les titres Africa et Rosanna, qui occupent respectivement les première et deuxième place au Billboard Hot 100. L'album se hisse par ailleurs à la quatrième place du Billboard 200. Le groupe atteint la consécration lors de la 25e cérémonie des Grammy Awards en 1983, puisqu'il obtient vingt-huit nominations et six récompenses, dont celle de l'album de l'année et de la chanson de l'année pour Rosanna. Cette performance permet à Toto d'enchaîner une tournée à succès, puis de participer activement à la composition et l'enregistrement de l'album Thriller de Michael Jackson. Toto IV se vend à plus de douze millions exemplaires dans le monde et devient disque de platine dans plusieurs pays. |
Blood Sugar Sex MagikBlood Sugar Sex Magik est le cinquième album studio du groupe californien de funk rock Red Hot Chili Peppers sorti le sur le label Warner Bros. Records. Après sept ans de contrat avec EMI, le quatuor décide de changer de label et souhaite s'engager avec Sony BMG/Epic Records dans un premier temps mais, les négociations prenant trop de temps, signe finalement avec Warner Bros. Les membres enregistrent ensuite pendant un mois avec le producteur Rick Rubin dans un vieux manoir sur les hauteurs de Los Angeles aménagé en studio pour l'occasion. Ils recourent moins aux jam sessions pour le composer, simplifient leur manière de jouer et ouvrent leurs horizons musicaux pour proposer des chansons plus attrayantes.
Bien accueilli par la presse musicale, le disque est également un franc succès commercial, se plaçant sur les podiums des ventes de plusieurs pays dont les États-Unis où il est certifié septuple disque de platine par la RIAA. Porté par les deux premiers singles Give It Away et Under the Bridge, l'album se vend à plus de quinze millions d'exemplaires dans le monde et permet au groupe de remporter des récompenses aux MTV Video Music Awards 1992, ainsi que le Grammy Award de la meilleure prestation hard rock en février 1993. Il apparaît depuis dans de nombreux classements des meilleurs albums. Les Red Hot Chili Peppers en font la promotion avec une tournée d'abord nationale avec Pearl Jam et The Smashing Pumpkins moins d'un mois après sa sortie jusqu'à la fin d'année. La popularité grandissante du groupe rend le guitariste John Frusciante malheureux et celui-ci exprime de plus en plus son dédain vis-à-vis de leur succès, devenant déprimé, paranoïaque et imprévisible pour les autres membres. Après quelques dates fin 1991 avec Nirvana, ils se produisent en Europe sur les premiers mois de 1992, avant de poursuivre au Japon début mai. Frusciante quitte alors la formation, celle-ci se retrouvant contrainte d'annuler les dates suivantes. Arik Marshall le remplace pour les festivals de l'été, puis en Australie et en Nouvelle-Zélande à l'automne pour rattraper les concerts annulés jusqu'au Brésil et en Argentine fin janvier 1993. |
Station to Station Station to Station est le dixième album studio de David Bowie, sorti en janvier 1976 chez RCA Records. Ce disque est enregistré durant une période difficile pour le chanteur : exilé à Los Angeles, il est plongé dans une paranoïa teintée d'occultisme, alimentée par son addiction à la cocaïne. Son état mental est si dégradé qu'il affirme par la suite n'avoir plus aucun souvenir des séances d'enregistrement. Il y développe son dernier personnage, le Thin White Duke (« Mince duc blanc »), un individu froid et hautain dont l'apparence est influencée par son rôle d'extraterrestre dans le film L'Homme qui venait d'ailleurs de Nicolas Roeg, sorti la même année. Station to Station est généralement considéré comme un album de transition dans la carrière de Bowie. Musicalement, il s'inscrit dans la continuité des sonorités soul de Young Americans, paru l'année précédente, mais il intègre également des expériences avec les synthétiseurs et les rythmes motorik, sous l'influence de groupes allemands comme Kraftwerk ou Neu!. Il annonce ainsi la trilogie berlinoise que Bowie enregistre entre 1976 et 1979 avec la même section rythmique (Carlos Alomar à la guitare, George Murray à la basse et Dennis Davis à la batterie). Les paroles reflètent quant à elles l'intérêt du chanteur pour Friedrich Nietzsche, Aleister Crowley, les mythes et la religion en général. Ce mélange de funk et de krautrock, d'occultisme et de ballades romantiques, constitue « l'un des albums de Bowie les plus accessibles et les plus impénétrables à la fois » selon ses biographes Roy Carr et Charles Shaar Murray. À sa sortie, il se classe dans les cinq meilleures ventes au Royaume-Uni et aux États-Unis, et la critique lui réserve un accueil très favorable. Il reste considéré par la suite comme l'un des meilleurs albums du chanteur. |
Young Americans (album) Young Americans est le neuvième album studio de David Bowie, sorti en mars 1975 chez RCA Records. Il s'agit du premier album de Bowie entièrement réalisé aux États-Unis. Le chanteur abandonne le glam rock qui l'a rendu célèbre avec son personnage de Ziggy Stardust au cours des deux années précédentes au profit d'une musique inspirée par la soul et le funk, des genres qu'il a toujours appréciés. La plupart des titres sont enregistrées à Philadelphie entre août et novembre 1974 avec des musiciens américains, parmi lesquels le guitariste portoricain Carlos Alomar, qui continue à travailler avec Bowie tout au long des années 1970, ainsi qu'un jeune Luther Vandross encore inconnu. Dans un deuxième temps, Bowie enregistre deux chansons à New York avec John Lennon en janvier 1975. L'une d'elles, Fame, devient son premier single à se classer en tête des ventes aux États-Unis. Ce virage artistique est un succès aussi bien commercial que critique et permet à Bowie de percer sur le sol américain. La vision lissée du rhythm and blues qu'il propose ouvre une voie où s'engouffrent d'autres artistes dans les années qui suivent, à l'époque du disco. |
Diamond Dogs Diamond Dogs est le huitième album studio de David Bowie, sorti en mai 1974 chez RCA Records. Cet album est issu de plusieurs projets abandonnés, au premier rang desquels une adaptation musicale du roman 1984 de George Orwell. Faute d'en obtenir les droits, Bowie ne conserve que l'idée d'un futur dystopique dominé par une dictature. Il développe l'univers de Hunger City, une ville post-apocalyptique hantée par les Diamond Dogs, un gang d'adolescents inspiré des Garçons sauvages de William S. Burroughs. Ses paroles abordent avec pessimisme des thèmes comme la violence, la drogue et la fascination pour le pouvoir. Pour la première fois depuis 1969, Bowie se passe des services du guitariste Mick Ronson et assure la majorité des parties de guitare électrique, avec un son rugueux qui s'éloigne du glam rock qui l'a rendu célèbre. Certaines chansons présentent des éléments de soul, un genre que le chanteur explore davantage sur son album suivant, Young Americans. Sa pochette, œuvre du peintre belge Guy Peellaert, représente le chanteur comme une créature mi-homme, mi-chien. À sa sortie, Diamond Dogs se classe en tête des ventes au Royaume-Uni, où le single Rebel Rebel, lettre d'adieu au glam rock, rencontre également un franc succès. Aux États-Unis, il est le premier album de Bowie à entrer dans le top 5 des ventes. Il est considéré a posteriori comme l'une de ses œuvres les plus complexes et sombres, qui annonce par certains aspects les mouvements punk et gothique de la fin des années 1970. |
Pin UpsPin Ups (également orthographié Pinups et Pin-Ups) est le septième album studio de David Bowie, sorti en octobre 1973.
Entièrement composé de reprises de chansons des années 1960, Pin Ups est un hommage au Londres du courant mod. C'est le dernier album que le chanteur enregistre avec le guitariste Mick Ronson et le bassiste Trevor Bolder. Le batteur Mick Woodmansey, troisième membre des Spiders from Mars, est quant à lui remplacé par Aynsley Dunbar. Les séances se déroulent au château d'Hérouville, en France, au mois de juillet 1973. Porté par le succès de ses précédents disques, Pin Ups se classe en tête des ventes au Royaume-Uni dès sa sortie. La critique se montre circonspecte face aux interprétations glam rock de Bowie, dont ce disque reste le seul album de reprises. |
The Works (album de Queen) The Works est le onzième album studio du groupe de rock Queen, sorti le . Coproduit par Queen et Reinhold Mack, il est enregistré sur une période de cinq mois, entre les Record Plant Studios de Los Angeles et les studios Musicland de Munich, dans une ambiance tendue. Il marque un certain retour de la formation à ses racines rock après ses expériences mitigées dans les genres funk et disco du début des années 1980. Les riffs de guitare y côtoient les synthétiseurs, ce qui reflète l'un des thèmes principaux de l'album : l'opposition entre l'être humain et les machines. Par ailleurs, plusieurs textes de l'album ont une portée sociale ou politique peu courante chez le groupe. Quatre singles, chacun écrit par un membre du groupe, sont extraits de l'album. Radio Ga Ga et I Want to Break Free, signés respectivement par Roger Taylor et John Deacon, sont ceux qui connaissent le plus grand succès. L'album est relativement bien accueilli par la critique tout en étant un succès commercial en Europe, mais il ne trouve pas son public aux États-Unis, principalement pour des raisons liées à son manque de promotion dans ce pays. Par conséquent, Queen décide de ne pas faire de tournée en Amérique du Nord. La formation part en revanche jouer quelques concerts en Afrique du Sud, ce qui provoque une importante controverse. À la fin de sa tournée mondiale, le groupe envisage de faire une longue pause, mais est alors contacté pour participer au Live Aid. |
Are You Experienced Are You Experienced est le premier album du groupe The Jimi Hendrix Experience, sorti en 1967. Courant 1966, le guitariste américain Jimi Hendrix entre en contact avec l'ex-Animals Chas Chandler. Chandler et Michael Jeffery deviennent ses managers et l'invitent à venir enregistrer à Londres. Deux musiciens britanniques, le bassiste Noel Redding et le batteur Mitch Mitchell, sont recrutés pour l'accompagner au sein d'un groupe baptisé The Jimi Hendrix Experience. Le trio signe chez Track Records au mois d'octobre et commence à travailler sur ses premières chansons. Les séances d'enregistrement de l'album prennent place dans trois studios londoniens et durent jusqu'au début du mois d'avril suivant. Are You Experienced paraît au Royaume-Uni le chez Track Records, puis le 23 août aux États-Unis chez Reprise Records. La version américaine de l'album présente un contenu légèrement différent, certaines chansons ayant été remplacées par les faces A des trois premiers 45 tours du groupe, parus entre et : Hey Joe, Purple Haze et The Wind Cries Mary. C'est un succès immédiat des deux côtés de l'Atlantique. Le disque se classe no 2 des ventes au Royaume-Uni derrière Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band des Beatles et no 5 aux États-Unis, où il est certifié disque d'or (500 000 exemplaires vendus) en . Are You Experienced est considéré comme l'un des albums emblématiques du rock psychédélique, ainsi que l'un des meilleurs premiers albums de l'histoire du rock. En 2005, la Bibliothèque du Congrès l'ajoute à son Registre national des enregistrements en reconnaissance de son importance culturelle. |
A Kind of Magic (album)A Kind of Magic est le douzième album studio du groupe de rock britannique Queen, sorti en . Revitalisé par sa prestation très remarquée lors du Live Aid, le groupe accepte peu après de contribuer à la bande originale du film Highlander. En cours d'enregistrement, le quatuor décide de sortir un album à part entière, ce qui donne à celui-ci un côté assez hybride puisque six des neuf titres qui le composent peuvent être entendus dans le film sous des formes plus ou moins différentes. Pas moins de sept singles sont extraits de l'album mais seuls les deux premiers, One Vision et A Kind of Magic, sortent dans le monde entier.
L'album recueille à sa sortie des critiques globalement défavorables, qui lui reprochent principalement son manque de cohésion. Son échec aux États-Unis confirme le net recul du groupe dans ce pays mais il obtient un important succès commercial dans le reste du monde, atteignant notamment la première place du hit-parade au Royaume-Uni. Queen se lance dans une tournée triomphale à travers l'Europe, The Magic Tour, qui s'avère être la dernière du groupe avec Freddie Mercury. Plusieurs concerts de cette tournée servent de support à la conception de deux albums live, Live Magic et Live at Wembley '86. |
Within Temptation Within Temptation est un groupe néerlandais de metal symphonique. Le groupe est créé en 1996 par la chanteuse Sharon den Adel et le guitariste Robert Westerholt. Leur musique est décrite comme du metal symphonique, bien que leurs premiers albums, comme Enter, soient catégorisés metal gothique. Sharon den Adel décrit la musique du groupe comme étant du rock symphonique aux influences variées. Après la parution de leur premier album, Enter, le groupe devient connu de la scène underground néerlandaise. Ce n'est qu'à partir de 2001 qu'il se popularise auprès d'un public plus large, avec le single Ice Queen issu de l'album Mother Earth, qui atteint la deuxième place des classements. Dès lors, le groupe remporte le Conamus Exportprijs pendant quatre années d'affilée. Leurs albums suivants The Silent Force et The Heart of Everything débutent à la première place des classements musicaux néerlandais. En 2008, ils font paraître un DVD live et CD, Black Symphony, enregistré au Metropole Orchestra. Dans le cadre d'une de leur tournée acoustique, en 2009, le groupe fait sortir l'album live An Acoustic Night at the Theatre. Le cinquième album du groupe, The Unforgiving, est commercialisé en mars 2011, en parallèle à une série de comics et de courts-métrages. Le 13 novembre 2012, le groupe célèbre sa quinzième année d'existence lors d'un énorme événement appelé Elements au palais des sports d'Anvers. Leur sixième album, Hydra, est commercialisé le au Japon, le 31 janvier en Europe, et le 4 février aux États-Unis. Plusieurs artistes comme Tarja Turunen, Howard Jones, Dave Pirner et Xzibit y ont collaboré. Le sort Resist, le septième album studio du groupe. Cet album est influencé par d'autres styles musicaux tels que l'industriel et l'EDM. En 2016, le groupe avait déjà vendu plus de 3,5 millions d'albums dans le monde. En tant que groupe reconnu et apprécié pour sa polyvalence musicale, Within Temptation a remporté un certain nombre de récompenses, et leurs enregistrements se sont vendus à près de 3 millions d'exemplaires sur le plan international. |
Tarja Turunen Tarja Soile Susanna Turunen-Cabuli, née le , connue professionnellement sous le nom de Tarja Turunen ou simplement Tarja, est une auteure-compositrice-interprète de heavy metal finlandaise. Elle est une soprano lyrique qui possède une étendue vocale variant sur trois octaves. Sa voix est souvent qualifiée comme étant « puissante et émotive ». Elle est réputée pour sa maîtrise technique dans l'interprétation des musiques classique et metal. Turunen étudie le chant à l'Académie Sibelius et à la Hochschule für Musik Karlsruhe. Elle est chanteuse de lied classique professionnelle et ancienne chanteuse du groupe de metal symphonique finlandais Nightwish, qu'elle fonde avec Tuomas Holopainen et Emppu Vuorinen en 1996. Leur combinaison de riffs de guitare saturée et rapide avec la voix dramatique et « opératique » de Turunen a rapidement permis au groupe d'atteindre une popularité critique et commerciale. Leur style de metal symphonique, surnommé « opéra metal », a inspiré de nombreux autres groupes de metal. Turunen est exclue du groupe le , juste après la représentation du concert End of an Era, pour des raisons personnelles. Elle commence sa carrière solo en 2006 avec la sortie d'un album de Noël intitulé Henkäys Ikuisuudesta. En 2007, elle sort My Winter Storm, un album mettant en vedette divers styles, dont le metal symphonique, puis commence le Storm World Tour ; elle donne ainsi plusieurs concerts en Europe et joue dans de nombreux festivals de metal comme le Graspop Metal Meeting et le Wacken Open Air. À la fin de sa tournée, la chanteuse sort son troisième album, What Lies Beneath, qui est suivi par une tournée qui se termine en . Son premier DVD live Act I, publié en , est filmé lors de cette tournée les et à Rosario, en Argentine. Elle lance le Colours in the Dark World Tour en pour promouvoir son quatrième album, Colours in the Dark. Son deuxième DVD live est filmé lors du concert Beauty and the Beat en compagnie de Mike Terrana et sort en . En , Tarja Turunen sort son premier album studio de musique classique, Ave Maria – En Plein Air. En , elle sort The Shadow Self précédant l'EP The Brightest Void sorti le . En novembre 2017, elle publie son second album de Noël, From Spirits and Ghosts, reprenant des classiques de Noël réarrangés avec des influences gothiques. Son dernier album In the Raw, est sorti le . Turunen est l'une des chanteuses les plus populaires de son pays. Elle est élue voix de la Finlande par l'ancienne présidente du pays, Tarja Halonen, et est souvent invitée à participer aux émissions de télé-crochet de la télévision finlandaise ou comme jury pour des concours locaux. Elle est nominée six fois au prix des Emmas Awards et est, en 2009, pré-nominée pour un Grammy Awards, en collaboration avec le groupe Schiller. |
PJ Harvey Polly Jean Harvey, plus connue sous le nom de PJ Harvey, née le à Bridport dans le comté de Dorset au Royaume-Uni, est une chanteuse, poétesse, actrice, auteure-compositrice et multi-instrumentiste britannique de rock alternatif. Elle commence sa carrière en 1988 en rejoignant Automatic Dlamini, un groupe local, en tant que chanteuse, guitariste et saxophoniste. Le leader du groupe, John Parish, devient son principal collaborateur par la suite. Après avoir quitté le groupe, elle forme en 1991, en compagnie de Rob Ellis et Steve Vaughan, un trio appelé PJ Harvey. Le trio sort deux albums studio intitulés Dry (1992) et Rid of Me (1993), qui sont régulièrement cités parmi les meilleurs disques du début des années 1990, avant de se dissoudre, après quoi Harvey continue sa carrière en tant qu'artiste solo. En 1995, elle sort To Bring You My Love, un album qui lui offrira une renommée internationale. S'ensuit la publication de Is This Desire? (1998) et Stories from the City, Stories from the Sea (2000) qui augmente son prestige et sa notoriété. Après la sortie d'Uh Huh Her (2004) et White Chalk (2007), Harvey publie en 2011 Let England Shake, un album orienté sur la poésie de guerre. Puis, à la suite de plusieurs voyages dans des pays et villes touchés par la pauvreté et la guerre, elle sort The Hope Six Demolition Project en . Ses neuf albums studio possèdent des atmosphères musicales différentes et contiennent des collaborations avec divers musiciens, dont Parish, son ancien compagnon de groupe Rob Ellis, Mick Harvey et Eric Drew Feldman. Elle a également beaucoup travaillé avec le producteur de disques Flood. Parmi les récompenses qu'elle reçoit, PJ Harvey gagne le Mercury Prize pour ses albums Stories from the City, Stories from the Sea (2000) et Let England Shake (2011), respectivement en 2001 et 2011, ce qui fait d'elle la seule personne à avoir reçu deux fois le prix. Elle est également nominée huit fois aux Brit Awards, sept fois aux Grammy Awards et pour deux autres Mercury Prize. Le magazine Rolling Stone lui décerne trois distinctions : « meilleur nouvel artiste » et « meilleur auteur-compositeur-interprète » en 1992, et « artiste de l'année » en 1995. De plus, le magazine inscrit trois de ses albums dans sa liste des « 500 plus grands albums de tous les temps ». En 2011, elle est récompensée pour sa contribution exceptionnelle à la musique lors des NME Awards. En , elle devient membre de l’Ordre de l'Empire britannique pour ses services rendus à la musique. En dehors de sa carrière de chanteuse, elle écrit et compose pour d'autres artistes ou pour des productions musicales et théâtrales. Elle a publié deux recueils de poésies et participe de temps en temps à des expositions d'arts plastiques. |